Anar al contingut

Edvard Munch

De L'Enciclopèdia, la wikipedia en valencià
Archiu:Edvard Munch 1933-2.jpg
Edvard Munch


Edvard Munch (/ˈɛdvɑ:ʈ mʉŋk/; Løtingues, 12 de decembre de 1863-Oslo, 23 de giner de 1944) va ser un pintor i gravador noruec. Les seues evocadores obres sobre l'oix varen influir profundament en l'expressionisme alemà de començos de el XX.

Les seues obres han segut considerades com a variacions constants sobre la gran simfonia de l'existència humana en els seus costats diürns, pero encara més, com és congruent en la sensibilitat finisecular, en els nocturns. L'amor i l'odi, el desig i l'oix, les passions i les emocions, són elevats a arquetips de la vida anímica de l'home modern o, inclús, de la pròpia condició humana.[1]

El pintor dia de sí mateixa que, de la mateixa manera que Leonardo dona Vinci havia estudiat l'anatomia humana i disseccionat cossos, ell intentava disseccionar ànimes. Per això, els temes més freqüents en les seues obres varen ser els relacionats en els sentiments i les tragèdies humanes, com la soletat (Melancolia), l'oix (El crit), la mort (Mort d'un bohemio) i l'erotisme (Amants, El bes). Se li considera precursor del expressionisme, per la forta expressivitat dels rostres i les actituts de les seues figures, ademés del millor pintor noruec de tots els temps.

Edvard Munch seria classificat com a simboliste i com a representant primerenc de l'expressionisme, que seria la tendència artística predominant en la primera mitat de el XX. Des de molt jove, en la década de 1880, l'artiste Munch buscava expressar les seues experiències emocionals en l'art. Aixina va representar la ruptura en el predominant enfocament del naturalisme en lo extern i objectiu. Es va anticipar al canvi que inundaria la década de 1890 cap a lo subjectiu i lo sicològic. La temàtica existencial com l'oix, la mort, l'amor, les celosies i la melancolia es tornen fonamentals en la seua obra.

En el seu intent per expressar els "estats més sotils de l'ànima", Munch va desenrollar el seu característic estil. Per a expressar sentiments forts i sotils era necessari una atra forma d'expressió diferent al naturalisme. En l'obra de Munch es mesclen la realitat interior i exterior en grans superfícies llimitades per contorns clars.

El crit, realisat en 1893, va ser una de les seues obres més importants. L'idea d'esta obra va sorgint despacio. En 1892 apunta:

Anava pel carrer en dos amics quan el sol es va posar. De sobte, el cel es va tornar roig sanc i vaig percebre un estremecimiento de tristor. Un dolor desgarrador en el pit. Em vaig detindre; em vaig recolzar en la barana, pres d'una fatiga mortal. Llengües de fòc com a sanc cobrien el fiort negre i azulado i la ciutat. Els meus amics varen seguir anant i yo em vaig quedar allí, tremolant de por. I vaig sentir que un crit interminable travessava la naturalea.

Infància

[editar | editar còdic]

Edvard Munch va nàixer el 12 de decembre de 1863 en Løtingues, Noruega. Fill del mege militar Christian Munch i la seua esposa Laura Cathrine, va tindre una infància molt difícil, ya que la seua mare i la seua germana major varen morir de #tuberculosis quan ell era molt jove, i el seu pare era un home d'economia modesta dominat per obsessions de tipo religiós que va fallir en 1889. De tot això va sorgir una personalitat conflictiva i un tant desequilibrada, que ell mateixa considerava la base del seu geni.

El seu pare Christian es va casar en la seua mare Laura, una dòna el doble de jove, en 1861. Edvard tenia una germana major, Johanne Sophie, i tres germans menors: Peter Andreas, Laura Catherine i Inger Marie. Laura tenia talent artístic i pot haver encorajat a Edvard i Sophie. Edvard estava emparentat en el pintor Jacob Münch i l'historiador Peter Andreas Münch.[2]


La família es va traslladar a Christiania (rebatejada com Kristiania en 1877 i ara Oslo) en 1864 quan Christian Munch va ser nomenat oficial mege en la Fortalea de Akershus. La mare de Edvard va morir de #tuberculosis en 1868, de la mateixa manera que la germana favorita de Munch, Johanne Sophie, en 1877.[2] Despuix de la mort de la seua mare, els germans Munch varen ser criats pel seu pare i la seua tia Karen. A sovint malalt durant gran part dels hiverns i sense anar a l'escola, Edvard dibuixava per a mantindre's ocupat. Va ser instruït pels seus companyers d'escola i la seua tia. Christian Munch també va instruir al seu fill en història i lliteratura, i va entretindre als chiquets en vívidas històries de fantasmes i els contes de l'escritor nortamericà Edgar Allan Poe.[3]

Tal com ho recordava Edvard, el comportament positiu de Christian cap als seus fills es va vore ensombrecido pel seu morbós pietismo. Munch va escriure: "El meu pare era temperamentalmente nerviós i obsesivamente religiós, fins al punt de la psiconeurosis. D'ell vaig heretar les llavors de la locada. Els àngels de la por, el dolor i la mort varen estar al meu costat des del dia en que vaig nàixer".[3] Christian reprendía als seus fills dient-los que la seua mare els mirava des del Cel i s'afligia pel seu mal comportament. L'entorn religiós opresivo, la mala salut de Edvard i les vívidas històries de fantasmes varen ajudar a inspirar les seues macabres visions i malensomis; el chiquet sentia que la mort alvançava constantment cap a ell.[3] A una de les germanes menors de Münch, Laura, li varen diagnosticar una malaltia mental a una edat primerenca. Dels cinc germans, solament Andreas es va casar, pero va morir uns mesos despuix de la boda. Münch escriuria més tart: "Vaig heretar dos dels enemics més temibles de la humanitat: l'herència de la #tuberculosis i la locada".[2]

La paga militar de Christian Munch era molt baixa, i els seus intents de desenrollar una pràctica paralela privada varen fracassar, mantenint a la seua família en una pobrea perenne.[3] Es mudaven en freqüència d'un pis barat a un atre. Els primers dibuixos i #aquarela de Munch representaven estos interiors i els objectes individuals, com a flascos de medicaments i instruments de dibuix, ademés d'alguns paisages. En la seua adolescència, l'art ya dominava els interessos de Munch.[2] Als 13 anys, Munch va ser a la seua primera exposició junt a atres artistes en l'Associació d'Art recent formada, a on va admirar el treball de l'escola de paisage noruega. Va tornar per a copiar les pintures, i pronte va començar a pintar a l'oli.[3]

Estudis i influències

[editar | editar còdic]

En 1879, Munch es va matricular en un colege tècnic per a estudiar ingenieria, a on es va destacar en física, química i matemàtiques. Va deprendre el dibuix a escala i en perspectiva, pero les freqüents malalties varen interrompre els seus estudis. A l'any següent, per a gran decepció del seu pare, Munch va deixar l'universitat decidit a convertir-se en pintor. El seu pare vea l'art com un "ofici profà", i els seus veïns varen reaccionar en amargura i li varen enviar cartes anònimes. En contrast en el pietismo rabioso del seu pare, Munch va adoptar una postura no dogmàtica cap a l'art. Va escriure el seu objectiu en el seu diari: "En el meu art intente explicar-me la vida i el seu significat".[3]


En 1881, Munch es va matricular en la Real Escola d'Art i Disseny de Kristiania, un dels fundadors del qual va ser el seu parent lluntà Jacob Munch. Els seus mestres varen ser l'escultor Julius Middelthun i el pintor naturaliste Christian Krohg.[3] Eixe any, Munch va demostrar la seua ràpida absorció de l'aprenentage en l'acadèmia en els seus primers retrats, inclós un del seu pare i el seu primer autorretrato. En 1883, Munch va participar en la seua primera exposició pública i va compartir un estudi en atres estudiants.[2] El seu retrat de cos sancer de Karl Jensen-Hjell, un notori bohemio de la ciutat, va obtindre la resposta desdeñosa d'un crític: "És impressionisme dut a l'extrem. És una paròdia de l'art".[3] Les pintures de nuets de Munch d'este periodo sobreviuen solament en esbossos, a excepció de Nuet de peu (1887). És possible que anaren confiscades pel seu pare.[2]


Des de molt jove, Munch va ser influenciat per impressionistes com Édouard Manet i més tart per artistes del postimpresionismo com Vincent van Gogh i Paul Gauguin.[4] Durant estos primers anys, va experimentar en molts estils, inclosos el naturalisme i l'impressionisme. Algunes obres primerenques recorden a Manet. Molts d'estos intents li varen carrejar crítiques desfavorables per part de la prensa i li varen valdre constants reproches per part del seu pare, qui, no obstant, li va proporcionar chicotetes sumes per a les despeses de manutenció.[3] En un moment, no obstant, el pare de Munch, tal volta influenciat per l'opinió negativa del cosí de Munch, Edvard Diriks (un pintor tradicional establit), va destruir a lo manco una pintura (provablement un nuet) i es va negar a alvançar més diners per a materials d'art.[2]

Munch també va soportar l'ira del seu pare per la seua relació en Hans Jæger, el nihiliste local que vivia segons el còdic "la passió per destruir és també una passió creativa" i que advocava pel suïcidi com l'últim camí cap a la llibertat:[3] "Les meues idees es varen desenrollar baix l'influència dels bohemio o més be baix l'influència d'Hans Jæger. Molta gent ha afirmat erròneament que les meues idees es varen formar baix l'influència de Strindberg i els alemans... pero això és incorrecte. Ya s'havien format per a llavors".[3] En eixe moment, a diferència de molts dels atres bohemio, Munch encara era respectuós en les dònes, ademés de reservat i de bons modals, pero va començar a cedir davant les borracheres i les baralles del seu círcul. Estava inquiet per la revolució sexual que estava ocorrent en eixe moment i per les dònes independents que ho rodejaven. Més vesprada es va tornar cínic en matèria sexual, expresandolo no solament en el seu comportament i el seu art, sino també en els seus escrits, un eixemple és un llarc poema anomenat La ciutat de l'amor lliure.[3] Encara depenent de la seua família per a moltes dels seus menjars, la relació de Munch en el seu pare es va mantindre tensa per les preocupacions sobre la seua vida bohemio.

Despuix de numerosos experiments, Munch va aplegar a la conclusió de que el llenguage impressioniste no li permetia una expressió suficient. Ho va trobar superficial i massa semblat a l'experimentació científica. Va sentir la necessitat de profundisar i explorar situacions plenes de contingut emocional i energia expressiva. Baixe el mandat de Jæger de que Munch deuria "escriure la seua vida", lo que significa que Munch deuria explorar el seu propi estat emocional i sicològic, el jove artiste va començar un periodo de reflexió i autoexamen, registrant els seus pensaments en el seu "diari de l'ànima".[3] Esta perspectiva més profunda ho va ajudar a traslladar-se a una nova visió del seu art. Va escriure que la seua pintura La chiqueta malalta (1886), basada en la mort de la seua germana, va anar la seua primera "pintura de l'ànima", la seua primera ruptura en l'impressionisme. La pintura va rebre una resposta negativa dels crítics i de la seua família, i va provocar un atre "esclat violent d'indignació moral" de la comunitat.[3]


Solament el seu amic Christian Krohg ho va defendre:"Pinta, o més be mira, les coses d'una manera diferent a la d'atres artistes. Veu només lo essencial, i això, naturalment, és tot lo que pinta. Per esta raó, les imàgens de Munch són, per regla general, "incompletes", com la gent està encantada de descobrir per sí mateixa. Ah, sí, estan complets. La seua obra completa. L'art està complet una volta que l'artiste realment ha dit tot lo que tenia en ment, i esta és precisament la ventaja que té Munch sobre els pintors de l'atra generació, que realment sap cóm mostrar-nos lo que ha sentit i lo que ho ha captivat. i a açò subordina tot lo demés."[2]

Munch va continuar amprant una varietat de tècniques de pinzellades i #paleta de colors durant la década de 1880 i principis de la de 1890, mentres lluitava per definir el seu estil.[2] El seu llenguage va continuar oscilant entre el posimpresioista, com es veu en Retrat d'Hans Jæger, i l'impressioniste, com en la Rue Lafayette. El seu Inger en la plaja (1889), que va provocar una atra tormenta de confusió i controvèrsia, insinua les formes simplificades, els contorns pesats, els contrasts aguts i el contingut emocional del seu estil madur per vindre.[2] Va començar a calcular cuidadosadament les seues composicions per a crear tensió i emoció. Encara que influenciat estilísticamente pels postimpresionista, lo que va evolucionar va ser un tema de contingut simboliste, que representava un estat mental en lloc d'una realitat externa. En 1889, Munch va presentar la seua primera exposició individual de casi totes les seues obres fins a la data. El reconeiximent que va rebre va donar lloc a una beca estatal de dos anys per a estudiar en París en el pintor francés Léon Bonnat.[2]

Munch sembla haver segut un dels primers crítics de la fotografia com a forma d'art, i va comentar que "mai competirà en el pinzell i la paleta, ¡fins al moment en que es puguen prendre fotografies en el cel o en l'infern!"[5]

La germana menor de Munch, Laura, va anar el tema de la seua Melancolia interior de 1899. Amanda O'Neill diu sobre l'obra: "En esta acalorada escena claustrofóbica, Munch no solament retrata la tragèdia de Laura, sino també el seu propi temor a la locada que podria haver heretat".[6] En 1885 va fer el primer dels seus numerosos viages a París, a on va conéixer els moviments pictòrics més alvançats i es va sentir especialment atret per l'art de Gauguin. Visita allí el Saló i el Louvre, que li va impressionar notablement. Eixe mateix any va participar en la Fira Mundial d'Amberes. Despuix d'una primera influència de la pintura impressioniste i postimpresionista comença a pintar tres de les seues obres capitals: El dia següent, Pubertat i La chiqueta malalta, la qual causa un escàndal en l'Exposició d'Autumne d'Oslo en l'any 1886.

No va tardar en crear un estil sumament personal, basat en accentuar la força expressiva de la llínea, reduir les formes a la seua expressió més esquemàtica i fer un us simbòlic, no naturaliste, del color, i d'ahí la seua classificació com pintor simboliste. En la seua primera exposició individual en 110 quadros en Oslo va fer que una part del públic ho aclamara en entusiasme.

Estància en París

[editar | editar còdic]

Munch va aplegar a París durant les celebracions de l'Exposició Universal (1889) i es va estajar en dos companyers artistes noruecs. El seu quadro Demà (1884) es va exhibir en el pabelló noruec. Passava els matins en el faenejat estudi de Bonnat (que incloïa models femenines) i les vesprades en l'exposició, les galeries i els museus (a on s'esperava que els estudiants feren còpies com una forma de deprendre tècniques i observar).[2] Munch va registrar poc entusiasme per les lliçons de dibuix de Bonnat: "Em cansa i m'avorrix, em adormece", pero va gojar dels comentaris del mestre durant els viages al museu.[3]


Munch va quedar captivat per la gran mostra d'art europeu modern, incloses les obres de tres artistes que serien influents per a ell: Paul Gauguin, Vincent van Gogh i Henri de Toulouse-Lautrec, tots notables per cóm varen usar el color per a transmetre emocions.[2] Munch es va inspirar particularment en la "reacció contra el realisme" de Gauguin i el seu credo de que "l'art era obra humana i no una imitació de la naturalea", una creència declarada anteriorment per Whistler.[2] Com va dir més tarde un dels seus amics de Berlín sobre Munch, "ell no necessita anar a Tahití per a vore i experimentar lo primitiu de la naturalea humana. Du el seu propi Tahití dins d'ell".[2] Influenciat per Gauguin, aixina com pels #aiguafort de l'artiste alemà Max Klinger, Munch va experimentar en gravats com a mig per a crear versions gràfiques de les seues obres. En 1896 va crear els seus primers gravats en fusta, un mig que va resultar ideal per a les imàgens simbòliques de Munch.[7] Junt en el seu contemporàneu Nikolai Astrup, Munch és considerat un innovador del mig gravat en fusta en Noruega.[8] En decembre de 1889 va morir el seu pare, deixant a la família de Munch en l'indigència. Va retornar a casa i va arreglar un gran préstam d'un ric coleccioniste noruec quan els parents adinerats no ho varen ajudar, i va assumir la responsabilitat financera de la seua família a partir d'eixe moment.[3] La mort de Christian ho va deprimir i estava plagat de pensaments suïcides: "Viu en els morts: la meua mare, la meua germana, el meu yayo, el meu pare... Suïcida't i després es va acabar. ¿Per qué viure?"[3] Les pintures de Munch del següent any varen incloure escenes de tavernes incompletes i una série de paisages urbans lluents en els que va experimentar en l'estil puntillista de Georges Seurat.[2]

En l'any 1890 l'influència del postimpresionismo en les seues obres va ser molt notòria. Eixe mateix any rep la seua segona beca estatal. Un any més tart va començar a desenrollar els motius del Friso de la vida, cicle pictòric que inclou moltes de les seues obres més conegudes que en el seu conjunt pretenen donar una visió unitària de la vida, a on es plasmen àmpliament les memòries personals de Munch, incloent la devastadora pèrdua de la seua mare, Laura Munch, i de la seua germana favorita, Sophie.

En 1892, Munch va formular la seua estètica sintetista característica i original, com es veu en Melancolia (1891), en la que el color és un element carregat de símbols. Considerada per l'artiste i periodiste Christian Krohg com la primera pintura simbolista d'un artiste noruec, Melancolia va ser exposta en 1891 en l'Exposició d'Autumne d'Oslo.[2]

El cas Munch

[editar | editar còdic]

En 1892, Adelsteen Normann, en nom de l'Unió d'Artistes de Berlín, va invitar a Munch a expondre en la seua exposició de novembre, la primera exposició individual de la societat. No obstant, les seues pintures varen provocar una amarga controvèrsia (malnomenada "El cas Munch") i, despuix d'una semana, l'exposició va tancar.[3] Munch estava complagut en la "gran commoció" i va escriure en una carta: "Mai havia passat un moment tan divertit; és increible que alguna cosa tan inocent com la pintura haja creat tal revol".


"Per al jove Munch, que no era particularment ben rebut ací en casa, esta invitació de Berlín va ser un honor i un estímul", va escriure Jens Thiis, qui despuix es va convertir en director de la Galeria Nacional de Noruega en Oslo.[9] L'exposició es va anunciar com "Quadros en la llínea d'Ibsen", que deuria durar 14 dies, del 5 al 19 de novembre. L'espai d'exhibició va ser el recent renovat Saló d'Honor en la rotonda de la planta baixa de el “Architektenhaus” en la Wilhelmstraßi. L'Associació d'Arquitectes de Berlín organisava regularment exposicions especials allí. L'edifici de l'associació d'arquitectes erigit per Wilhelm Böckmann en 1876-77 va ser demolit en 1934.

Munch va dur en si un total de 55 pintures a Berlín, "que mostraven el seu desenroll artístic des de la década de 1880, un desenroll que començava en el realisme radical i presentava despuix l'influència de l'impressionisme francés i el posimpresionismo en les pintures més recents". Al respecte va escriure Reinhold Heller: “Les característiques dels últims moviments artístics parisino de vanguarda es poden vore en estes obres, que en el seu radicalisme superen fàcilment tot lo produït pels artistes berlinesos més progressistes, com Max Liebermann i els atres membres del recent fundat Grup dels XI. Obres que la crítica també va considerar "tan inusual als nostres ulls que a primera vista un difícilment pot orientar-se en este colorit joc de taques de color violeta i vert." [9]


Junt a les pintures de Munch de la seua fase impressionista, com la Rue Lafayette, estaven unes atres com El dia despuix (1895), la vista d'una dòna jove despuix d'una nit de copes. Estes obres no varen provocar indignació pels seus motius, sino pel seu estil de pintura. En aplicar i raspar repetidament la pintura, Munch va tractar de fer visible la dolència física i l'extinció d'una persona.

El títul "Quadros en la llínea d'Ibsen" sugeria noves representacions de paisages noruecs com a montanyes i fiorts, en els que pintors com Hans Dahl i Adelsteen Normann varen tindre èxit comercial en eixe moment; Pero pronte va quedar clar per a tots els artistes de Berlín i els visitants de l'exposició que “Munch no era un pintor dòcil d'estats d'ànim, sino, com ho va expressar el Illustrirte Zeitung,"un dels impressionistes moderns més atrevits, l'art dels quals es burla de totes les tradicions dels moviments més antics.“ [10] En el Kunstchronik, el suplement de la Revista de belles arts, l'historiador de l'art i publiciste Adolf Rosenberg va explicar:

“Lo que el noruec havia conseguit en térmens d'informe, de brutalitat de la pintura, cruor i mesquinea de sentiment eclipsa tots els pecats dels impressionistes francesos i escocesos." [10]

Poc despuix de la seua inauguració, Munch va escriure a la seua família: "Sí, l'exposició ya està oberta, i és un escàndal colossal, perque ací hi ha una massa de miserables pintors vells que estan furiosos per la nova direcció de l'art. - Els periòdics es queixen terriblement - pero en alguns m'han elogiat. – Pero a tots els jóvens els agraden molt les meues pintures.[10] Resulta curiós el rebuig provocat per les obres de Munch, que prefiguraban l'expressionisme, en la ciutat que pocs anys despuix acolliria als majors representants d'eixe estil.


Les obres de Munch varen sorprendre a l'ala conservadora de l'associació. L'escultor Max Kruse va escriure sobre els fets del 5 de novembre de 1892: "Havíem invitat a Edvard Munch a una exposició. Pero no teníem idea de l'esclat d'indignació, sí d'ira, entre els vells cavallers.” En el “Freien Bühne”, Walter Selber va escriure en intenció amargament irònica: “¡Això deuria ser art! ¡Oh misèria, misèria! ¡Era diferent de cóm ho pintem, era nou, estrany, repulsivo, lleig, malvat! ¡Fòra les pintures, fòra, fòra! El pintor impressioniste Walter Leistikow es va amagar darrere de l'pseudónimo.

Va sorgir una animada discussió tant en la prensa alemana com en l'Associació d'Artistes de Berlín sobre "si un 'impressioniste' que nega la tradició té dret a expondre en el club, o si la seua obra és un 'insult a tots eixos artistes honestament esforçats als que [. . . ] es furta la llum i l'espai, per lo «que un tindria dret a tancar l'exposició per a no insultar més al públic.[10]

Poc despuix de vore l'exposició, els eixecutius de l'associació varen retornar corrent a la sala de reunions i "Anton von Werner va declarar que l'exposició era una burla a l'art, ompli de obscenidad i mesquinea, i la va tancar". Pero no estava en el poder de Werner tancar l'exposició de Munch immediatament despuix de la seua inauguració. Va haver resistència a açò dins de l'associació, especialment entre els membres més jóvens. “No obstant, no tant, perque la gent estava entusiasmada en Munch. Es tractava de la llibertat de cada artiste per a seguir els seus propis camins, inclús els no convencionals. Els estatuts s'oponien a la clausura immediata per lo que es va convocar a assamblea general extraordinària.[10]

En eixa assamblea general “tumultuosa”,[11] 23 artistes, entre ells Hermann Eschke, Wilhelm Streckfuss, Emil Hundrieser i Louis Douzette, varen exigir que la rotonda es tancara de colp i repent i “per respecte als esforços artístics honests en el desig certament justificat d'Associació d'Arts de Berlín i de la sospita de que era indigna" [10]

Una contramoción presentada per 30 artistes encapçalats per Karl Breitbach, Karl Köpping, Otto Brausewetter i August von Heyden exigia que l'exposició fora reemplaçada per una atra.[10] Werner, que no havia votat com a president de la reunió, va poder prevaldre en la votació. En 120 vots contra 105, es va acceptar la moció del grup entorn a Hermann Eschke i es va decidir clausurar l'exposició. Aixina les obres de Munch es varen retirar als pocs dies.

Época de Berlín

[editar | editar còdic]

Encara que va estar des de 1892 vivint en Alemània varis anys, sobretot en Berlín, va fer freqüents viages a Noruega i París, a on va realisar numeroses exposicions com la de Berlín.

En 1893 entaula relacions en la tertúlia del «Cochinillo negre»(Zoom schwarzen Ferkel), lloc freqüentat pels artistes de l'época. Eixe mateix any pinta El crit, una de les seues més importants obres. En Berlín, Munch es va involucrar en un círcul internacional d'escritors, artistes i crítics, inclós el dramaturc suec i destacat intelectual August Strindberg, a qui va pintar en 1892.[12] També va conéixer a l'escritor i pintor danés Holger Drachmann, a qui va pintar en 1898. Drachmann era 17 anys major que Munch i un dels seus companyers de beguda en la taverna del Cochinillo Negre (Zoom schwarzen Ferkel) en el periodo 1893-1894. En 1894, Drachmann va escriure sobre Munch: "Lluita molt. Bona sòrt en les teues lluites, noruec solitari".

Durant els seus quatre anys en Berlín, Munch va esbossar la majoria de les idees que conformarien la seua principal obra, El friso de la vida, primer dissenyada per a l'ilustració de llibres pero després expressada en pintures.[2] Va vendre poc, pero va obtindre alguns ingressos cobrant entrades per a vore les seues controvertides pintures.[3] Munch ya estava mostrant renuencia a desprendre's de les seues pintures, a les que cridava les seues "fills".

Les seues atres pintures, incloses les escenes de cassino, mostren una simplificació de formes i detalls que varen marcar el seu estil madur primerenc.[2] Munch també va començar a preferir un espai pictòric poc profunt i un fondo mínim per a les seues figures frontals. Ya que les poses s'elegien per a produir les imàgens més convincents d'estats mentals i condicions sicològiques, com en Cendres, les figures tenen una calitat monumental i estàtica. Les figures de Munch semblen representar papers en l'escenari d'un teatre (Mort en l'habitació del malalt), la pantomima del qual de postures fixes significa diverses emocions; ya que cada personage encarna una sola dimensió sicològica, com en El Crit, els hòmens i dònes de Munch varen començar a semblar més simbòlics que realistes. Va escriure: "Ya no deurien pintar-se els interiors, la gent llegint i les dònes teixint: caldria pintar gent viva, respirant i sentint, sofrint i amant".[2]

Entre 1894 i 1897 crea els seus primers #aiguafort mentres continua realisant exposicions en Estocolm, Berlín i Oslo, una de les seues exposicions en més èxit. En l'estudi de Toulouse-Lautrec, Bonnard i Vuillard va crear una série d'esbossos per mig d'una tècnica que pot considerar-se un invent comú d'abdós, com eren els esbossos d'oli sobre paper o be sobre taulers units en coa en els que no es treballava el fondo.

El crit

[editar | editar còdic]
Artícul principal → El crit.


El crit existix en quatre versions: dos pastiços (1893 i 1895) i dos pintures (1893 i 1910). També hi ha vàries #litografia de El crit (1895 i posteriors).

El pastiç de 1895 es va vendre en una subasta el 2 de maig de 2012 per 119.922.500 USD, inclosa la comissió de venda. És la més colorida de les versions[13] i es distinguix per la postura mirant cap a avall d'una de les seues figures de fondo. També és l'única versió que no està en mans d'un museu noruec.

La versió de 1893 va ser furtada de la Galeria Nacional d'Oslo en 1994 i després recuperada. La pintura de 1910 va ser furtada en 2004 del Museu Munch d'Oslo, pero es va recuperar en 2006 en danys llimitats.


El crit és l'obra més famosa de Munch i una de les pintures més reconeixibles de tota l'història de l'art. S'ha interpretat àmpliament que representa l'ansietat universal de l'home modern.[2] Pintada en àmplies franges de color chillón i formes molt simplificades, i amprant un punt de vista alt, reduïx la figura agonisant a un cràneu abillat en mig d'una crisis emocional.

En esta pintura, Munch va complir el seu objectiu declarat "de l'estudi de l'ànima, és dir, l'estudi de mi mateixa".[14] Més vesprada va descriure l'oix personal darrere de la pintura: "durant varis anys vaig estar casi loco… ¿Coneixes el meu quadro, 'El Crit?' Estava tensionado fins al llímit: la naturalea cridava en la meua sanc... Despuix d'això, vaig perdre l'esperança de poder tornar a amar".[3]

En 2003, en comparar la pintura en atres grans obres, l'historiadora de l'art Martha Tedeschi va escriure:

"La mare de Whistler, el Gòtic americà de Wood, la Mono Lisa de Leonardo dona Vinci i El crit de Edvard Munch han conseguit alguna cosa que la majoria de les pintures, independentment de la seua importància històrica artística, bellea o valor monetari, no han conseguit: comuniquen un significat específic casi de colp i repent a cada espectador. Estes poques obres han fet en èxit la transició de l'àmbit de l'èlit visitant de museus a l'enorme lloc de la cultura popular."[15]

El Friso de la vida: un poema sobre la vida, l'amor i la mort

[editar | editar còdic]

D'ací no hi ha més que un menut pas cap a l'estil completament nou que Munch desenrollaria en el Friso de la vida, en que destacarien quadros com Pubertat, que reflectix per primera volta una associació entre por i sexualitat; Melancolia, série sobre la plenitut i el fi de l'amor, de la mateixa manera que Celosies. Munch termina en estos cicles del Friso de la vida en l'any 1900 i escomença a expondre'ls en 1902 i en 1905 en Praga, intentant plasmar un terreny més tradicional. Retrats, paisages i pintures d'estudi li preocupen cada volta més. El friso de la vida és una compilació d'obres clau del pintor noruec Edvard Munch, en la seua majoria pintades en la década de 1890. Munch va descriure el friso com una "poesia sobre la vida, l'amor i la mort", en la que també va nomenar els temes centrals de la seua obra. El friso de la vida no inclou un número d'obres clarament definit. Munch va pintar molts motius vàries voltes i les imàgens resultants no es poden combinar en un cicle uniforme en térmens de tamany, forma i motiu. Més be, el terme, que no es va establir fins a 1918, és un títul per a vàries combinacions d'imàgens que va fer Munch a partir de 1893. En el temps, els motius es varen expandir des del tema original de l'amor a tots els aspectes de la vida humana.

Estudi per a una série "Amor"

[editar | editar còdic]

En un text de 1918, en el que va falcar per primera volta el terme Lebensfrieze per a la compilació de les seues obres centrals, Munch va afirmar que les primeres notes sobre l'idea de tal cicle pictòric es remonten a la década de 1880. Primer va expondre el seu friso en 1892 en Kristiania, ara Oslo. No obstant, estes declaracions no poden provar-se. La primera compilació comprovada de sis pintures baix el títul de Estudi per a una série "Amor" va tindre lloc en decembre de 1893 en Berlín en un espai d'exposició llogat en Unter donen Linden. Eren La Veu, El Bes, Vampir, Madonna, Melancolia i El Crit. Segons Hans Dieter Huber, l'orde de les imàgens conta una història d'amor, des de l'atracció dels sexes en una nit d'estiu, un bes i el robo dels poders de l'home, fins a la resplandor de la dòna en plena floració i l'afonament de l'home en basta la melancolia fins a la por final de la vida.[16]

Estudis sobre un estat d'ànim "Amor"

[editar | editar còdic]

En octubre de 1894, la major exposició individual de Edvard Munch fins a la data va tindre lloc en la Societat d'Art d'Estocolm. Va presentar les seues obres en un total de cinc seccions, l'última de les quals es va titular Estudis sobre un estat d'ànim Serie "Amor" . En ell va exhibir 14 pintures i una vinyeta basada en el motiu de la melancolia, que Munch havia dissenyat per a la colecció de poemes Alruner del seu amic Emanuel Goldstein. Deixa que l'història d'amor comence en la naturalea i encara termina en el Crit. Alguns motius es dupliquen i, per lo tant, varien per a l'espectador, lo que trenca en la linealidad de la narrativa pictòrica.[17] Les novetats de la série són La dòna en tres etapes, Cendres, Metabolisme, Mans, Nit estrelada, La chiqueta i la mort, Ull a ull i Ansietat.[18]

En març de 1895, en una atra exposició en Berlín, el cicle existix baix el títul Serie: Amor (1-14) hi ha 14 pintures. L'orde ara és: Misticisme de plaja, Veu, Bes, Vampir, dos versions de Madonna, La dòna en tres etapes, Solsida, Mans, dos versions de Melancolia seguides de Desesperació i Plorar.[19]

Representació d'una série d'imàgens de la vida.

[editar | editar còdic]

La paraula "friso" en lloc de "série" va ser utilisada per Munch per primera volta en 1902 en la quinta exposició de la Secessió de Berlín, a on es va titular Friso (en la sala d'escultures). representació d'una série de quadros de la vida, tota una sala es posa a disposició dels seus quadros. En correspondència en les quatre parets de la sala, Munch va dividir un total de 22 obres en quatre seccions:

  1. Germinació de l'amor: Nit estrelada, Rojo i blanc, Ull a ull, Ball en la plaja, El bes, Madonna.
  2. Florecimiento i mort de l'amor: Cendres, Vampir, La dansa de la vida, Celosies, La dòna en tres etapes, Melancolia.
  3. Por a la vida: Por, Tart en la porta de Karl Johan, Vino tinto salvage, Gólgota, El crit
  4. Mort: En el llit de mort, Mort en l'habitació del malalt, Olor a cadàver, Metabolisme, El chiquet i la mort.

Segons Hans Dieter Huber, la seqüència encara sugerix una seqüència narrativa llineal que va des de la primera trobada de l'home i la dòna, el florecimiento i torba del seu amor fins a la por, la desesperació, la malaltia i la mort. Solament en el motiu bíblic home i dòna/metabolisme Munch va començar a descriure la vida com un cicle.[20] L'exposició de 1902 va ser l'última presentació conjunta important del friso durant la vida de Munch ans que la colecció es dispersara i liquidara a través de les vendes.[21]


Munch a sovint usa ombres i anells de color al voltant de les seues figures per a emfatisar un oreig de por, amenaça, ansietat o intensitat sexual.[2] Estes pintures han segut interpretades com a reflexos de les inquietuts sexuals de l'artiste, encara que també es podria argumentar que representen el seu turbulenta relació en l'amor mateix i el seu pessimisme general sobre l'existència humana.[22] Molts d'estos esbossos i pintures es varen realisar en vàries versions, com Madona, Mans i Pubertat, i també es transcribieron com gravats en fusta i #litografia. Munch odiava separar-se de les seues pintures perque pensava en la seua obra com un sol cos d'expressió. Llavors, per a capitalisar la seua producció i obtindre alguns ingressos, va recórrer a les arts gràfiques per a reproduir moltes de les seues pintures, incloses les d'esta série.[22] Munch va admetre els objectius personals de la seua obra, pero també va oferir el seu art a un propòsit més ampli: "El meu art és realment una confessió voluntària i un intent d'explicar-me a mi mateixa la meua relació en la vida; per lo tant, és en realitat una espècie d'egoisme, pero tinc l'esperança constant de que a través d'açò puga ajudar a uns atres a conseguir més claritat".[2]

Mentres atrea reaccions fortament negatives, en la década de 1890, Munch va començar a rebre certa comprensió dels seus objectius artístics, com va escriure un crític: "En un despreci desapiadat per la forma, la claritat, l'elegància, la totalitat i el realisme, pinta en la força intuïtiva del talent visions sotils de l'ànima.”[2] Un dels seus grans partidaris en Berlín va ser Walther Rathenau, més tarde ministre alemà de Relacions Exteriors, qui va contribuir fortament al seu èxit.

París, Berlín i Kristiania

[editar | editar còdic]

En 1896, Munch es va traslladar a París, a on es va centrar en les representacions gràfiques dels seus temes del Friso de la vida. Va desenrollar encara més la seua tècnica de la xilografia i la litografia. El Autorretrato en braç esquelètic de Munch (1895) està fet en un método d'aiguafort en agulla i tinta que també va usar Paul Klee.[65] Munch també va produir versions multicolors de The Sick Child, sobre la #tuberculosis, que es varen vendre be, aixina com varis nuets i múltiples versions de Kiss (1892).[2] En maig de 1896, Siegfried Bing va realisar una exposició de l'obra de Munch dins de la Maison de l'Art Nouveau de Bing. L'exposició va mostrar 60 obres, incloses El bes, El crit, Madonna, El chiquet malalt, La cambra de la mort i El dia despuix. L'exposició de Bing va ajudar a presentar a Munch a l'audiència francesa.[23] Aixina i tot, molts dels crítics parisencs encara consideraven el treball de Munch com "violent i brutal", inclús si les seues exposicions varen rebre una gran atenció i una bona assistència.[2] La seua situació econòmica va millorar considerablement i, en 1897, Munch es va comprar una casa d'estiu front als fiorts de Kristiania, una menuda cabanya de peixcadors construïda a finals de el XVIII, en el menut poble de Åsgårdstrand en Noruega. Va cridar a esta casa la "Casa Feliç" i va retornar allí casi tots els estius durant els següents 20 anys.[2] Era este lloc que estranyava quan estava en l'estranger i quan se sentia deprimit i agotat. Dia al respecte: "Passejar per Åsgårdstrand és com caminar entre els meus quadros: m'inspire molt per a pintar quan estic ací".


En 1897, Munch va retornar a Kristiania, a on també va rebre una acceptació a regañadientes; un crític va escriure: "Una bona cantitat d'estes imàgens s'han exhibit abans. En la meua opinió, milloren en el coneiximent".[2] En 1899, Munch va començar una relació íntima. en Tulla Larsen, una dòna de classe alta "lliberada". Varen viajar junts a Itàlia i en retornar, Munch va començar un atre periodo fèrtil en el seu art, que va incloure paisages i la seua pintura final de la série "El friso de la vida", La dansa de la vida (1899).[2] Larsen estava ansiosa per casar-se, pero Munch molt manco. El seu consum d'alcohol i la seua mala salut varen reforçar els seus temors, com va escriure en tercera persona: "Des de que era chiquet havia odiat el matrimoni. En la seua llar, malalt i nerviós, li havia donat la sensació de que no tenia dret a casar-se".[ 71] Munch va estar a punt de cedir davant Tula, pero va fugir d'ella en 1900, alluntant-se també de la seua considerable fortuna, i es va traslladar a Berlín.[2] La seua Chiques en el embarcadero, creada en 18 versions diferents, va demostrar el tema de la joventut femenina sense connotacions negatives.[22]

En 1902, va exhibir les seues obres temáticamente en el saló de la Secessió de Berlín, produint "un efecte simfònic, que va causar un gran revol, molt antagonismo i molta aprovació".[2] Els crítics de Berlín començaven a apreciar l'obra de Munch a pesar de que el públic encara trobava el seu treball estrany.

La bona cobertura de prensa li va guanyar a Munch l'atenció de patrocinadors influents com Albert Kollman i Max Linde. Va descriure el gir dels acontenyiments en el seu diari: "Despuix de 20 anys de lluita i misèria, les forces del ben finalment vénen en la meua ajuda en Alemània, i s'obri una porta lluenta per a mi".[2] No obstant, a pesar d'este canvi positiu el seu comportament autodestructivo i errático ho va dur primer a una violenta baralla en un atre artiste, després a un dispar accidental en presència de Tulla Larsen, que havia retornat per a una breu reconciliació, que li va ferir en dos dits. Més vesprada, Munch va tallar un autorretrato que ho representava a ell i a Larsen per la mitat com a conseqüència del tiroteig i els acontenyiments posteriors.[24] Ella finalment ho va deixar i es va casar en un colega més jove. Munch va prendre açò com una traïció, i es va detindre en la humiliació durant algun temps, canalisant part de l'amargura en noves pintures. Les seues pintures Naturalea morta (L'assessina) i La mort de Marat I, realisades entre 1906 i 1907, fan referència clara a l'incident del tiroteig i les seqüeles emocionals.[2]

En la temporada 1903-04, Munch va expondre en París, a on els pròxims fauvistas, famosos pels seus audaços colors, provablement varen vore les seues obres i podrien haver trobat inspiració en elles. Quan els Fauves varen realisar la seua pròpia exposició en 1906, Munch va ser invitat i va exhibir les seues obres en les d'ells. Despuix d'estudiar l'escultura de Rodin, Munch va poder haver experimentat en argila com a ajuda per al disseny, pero va produir poques escultures.[2] Durant este temps, Munch va rebre molts encàrrecs de retrats i gravats que varen millorar la seua condició financera generalment precària.[2]

En 1903 realisa la seua primera exposició en la Galeria Cassirer en Berlín, un any més tart cedix els drets de venda de gravats en Alemània a Cassirer i a la Galeria Cometre d'Hamburc d'olis en vàries exposicions i pren part en el Salon dones Indépendants. Este periodo de temps va ser quan Munch va escomençar a alcançar el seu èxit com a artiste. Realisa numeroses exposicions tant en Copenhague com en la Galeria Cassirer, i també l'Acadèmia de Belles arts de Weimar posa un estudi a la seua disposició. L'any 1905 va ser dur per a Munch, ya que passa l'hivern curant-se del seu neurastènia i alcoholisme.


En 1906 Max Reinhardt li va encarregar un disseny dels decorats per a Els fantasmes i Hedda Gabler d'Ibsen, aixina com un friso per a un saló del seu teatre en Berlín. Max Reinhardt, ho va vendre més tart; ara està en la Nationalgalerie de Berlín.[25] Despuix d'un periodo anterior de paisages, en 1907 torna a centrar la seua atenció en les figures i situacions humanes.[2]

Ya en l'any 1908 expon en el Brücke de Dresde. En autumne del mateix any viaja a Copenhague, sofrint allí un colapse nerviós. La mitat de l'any següent la pansa en un sanatori.

En 1909 retorna a Noruega i Rasmus Meyer li compra un gran número de quadros de la seua colecció. Realisa una gran exposició en Oslo. Estos anys fa numerosos viages per les seues contínues crisis nervioses a pesar del seu èxit. Va visitar Berlín, Fráncfort, Colónia, París, Londres, Estocolm, Hamburc, Lübeck i Copenhague. Va rebre amplis honors en ocasió del seu quinquagèsim aniversari ya en 1913.

Crisis i recuperació

[editar | editar còdic]

En l'autumne de 1908, l'ansietat de Munch, agravada pel consum excessiu d'alcohol i les baralles, es va agudisar. Com va escriure més tart, "La meua condició estava a la vora de la locada".[2] Subjecte a alucinacions i sentiments de persecució, va ingressar a la clínica de Daniel Jacobson. La teràpia que Munch va rebre durant els següents huit mesos va incloure dieta i "electrificació" (un tractament que estava de moda en eixe moment per a les afeccions nervioses, que no deu confondre's en la teràpia electroconvulsiva).[2] L'estància de Munch en l'hospital va estabilisar la seua personalitat i, despuix de retornar a Noruega en 1909, la seua obra es va tornar més colorida i menys pessimiste. Allaugerant encara més el seu estat d'ànim, el públic en general de Kristiania finalment es va entusiasmar en la seua obra i els museus varen començar a comprar les seues pintures. Tot açò coincidia en l'eclosió del expressionisme en Alemània, del que Munch era heralt general, i dins de la crisis moral general que va donar lloc a l'hecatombe de la Primera Guerra Mundial.

Va ser nomenat Cavaller de la Real Orde de Sant Olav "pels seus servicis en l'art".[2] La seua primera exposició nortamericana va ser en 1912 en Nova York.[3]

Com a part de la seua recuperació, el Dr. Jacobson va aconsellar a Munch que socialisara solament en bons amics i que evitara beure en públic. Munch va seguir este consell i en el procés va produir varis retrats de cos sancer d'alta calitat d'amics i mecenes, retrats honests sense adulació.[2] També va crear paisages i escenes de persones treballant i jugant, utilisant un nou estil optimiste: pinzellades àmplies i soltes de colors vibrants en us freqüent d'espais en blanc i un us poc freqüent del negre, en referències ocasionals als seus temes morbosos. En més ingressos, Munch va poder comprar vàries propietats que li varen donar noves perspectives per al seu art i finalment va poder mantindre a la seua família.[2]

L'esclat de la Primera Guerra Mundial va trobar a Munch en llealtats dividides, com va dir: "Tots els meus amics són alemans, pero amo a França".[3] En la década de 1930, els seus patrocinadors alemans, molts judeus, varen perdre les seues fortunes i alguns la vida durant el sorgiment del moviment nazi.[3] Munch va trobar impressors noruecs per a substituir als alemans que havien estat imprimint el seu treball gràfic. Donat el seu historial de mala salut, durant 1918 Munch es va sentir afortunat d'haver sobrevixcut a un brot de grip de 1918, la pandèmia mundial d'eixe any.[3] També en 1918, publica un panflet del Friso de la vida en el que inclou les seues obres mestres.

Anys finals

[editar | editar còdic]

Els següents anys Munch decidix retirar-se una miqueta, ya que una afecció ocular en l'any 1930 li fa casi impossible treballar, i rep numerosos honors en ocasions del seu septuagèsim aniversari. Munch va passar la major part de les seues últimes dos décades en soletat en la seua finca casi autosuficient en Ekely, en Skøyen, Oslo.[3] Moltes de les seues últimes pintures celebren la vida en la granja, incloses vàries en les que va usar el seu cavall de treball "Rousseau" com a model.[3] Sense cap esforç, Munch va atraure un fluix constant de models femenines, a els qui va pintar en numeroses pintures de nuets. Provablement va tindre relacions sexuals en algunes d'elles.[3] Munch eixia ocasionalment de la seua casa per a pintar murals per encàrrec, inclosos els realisats per a la fàbrica de chocolate Freia.[3]

Fins al final de la seua vida, Munch va continuar pintant autorretratos implacables, lo que es va sumar al seu cicle de busca de sí mateixa de la seua vida i la seua série increbantable de prens dels seus estats emocionals i físics. En les décades de 1930 i 1940, els nazis varen etiquetar l'obra de Munch com "art degenerado" (junt en la de Picasso, Klee, Matisse, Gauguin i molts atres artistes moderns) i varen retirar els seus 82 obres dels museus alemans.[2] Adolf Hitler va anunciar en 1937: "Per lo que nos importa, eixos bàrbars de la cultura prehistòrica de l'Edat de Pedra i els tartamuts artístics poden retornar a les coves dels seus antepassats i allí poden aplicar el seu primitiu rascat internacional".[3]

En 1940, els alemans varen invadir Noruega i el partit nazi es va fer càrrec del govern. Munch tenia 76 anys. En casi una colecció completa del seu art en el segon pis de la seua casa, Munch vivia en el temor d'un confisc nazi. Setenta y uno de les pintures que els nazis havien pres anteriorment havien segut tornades a Noruega a través de la compra per part de coleccionistes (les atres 11 mai es varen recuperar), inclosos El crit i La chiqueta malalta, i també li les varen ocultar als nazis.[3]

Durant la Segona Guerra Mundial Munch es fa mundialment conegut i expon per primera volta els seus quadros en els Estats Units en 1942 en Nova York. En motiu del seu 80 natalici és objecte de grans homenages. A pesar del seu mal estat de salut (sofrix contínuament refredats), acodix a tots ells en gran honor.

Munch va morir en la seua casa de Ekely, prop d'Oslo, el 23 de giner de 1944, aproximadament un més despuix de complir els 80 anys. El seu funeral orquestat pels nazis va sugerir als noruecs que era un simpatisant dels nazis, una espècie d'apropiació de l'artiste independent.[3] La ciutat d'Oslo va comprar la finca Ekely als hereus de Munch en 1946; pero la seua casa va ser demolida incomprensiblemente en maig de 1960.[26]

Despuix de la seua mort, Ekely dona a la ciutat d'Oslo el conjunt de quadros, gravats i dibuixos propis que obrava en el seu poder. Per a celebrar el centèsim aniversari del seu naiximent, es va inaugurar en 1960 el Museu Munch d'Oslo.

Obres principals

[editar | editar còdic]
  • De matí. 1884. Oli sobre llenç. 96,5 x 103,5 cm. Colecció Rasmus Meyer, Bergen.
  • La chiqueta malalta. 1885-86. Oli sobre llenç. 119,4 x 118,7 cm. Galeria Nacional d'Oslo. Esta obra, que traduïx experiències d'infància del pintor, va donar orige a atres tres teles datades en 1906, 1907 i 1926, i a numerosos gravats i #litografia. El pintor declara sobre esta obra:
En La chiqueta malalta es varen obrir camins nous per a mi, va ser una ruptura en la meua obra. La major part dels meus treballs posteriors deuen la seua existència a este quadro.
  • Hans Jaeger. 1889. Oli sobre llenç. 109,5 x 84 cm. Galeria Nacional, Oslo.
  • La rue Lafayette. 1891. Oli sobre llenç. 92 x 73 cm. Oslo.
  • La veu. 1893. Oli sobre llenç.
  • El crit. 1893. Témpera. 83,5 x 66 cm. Museu Munch, Oslo. Va realisar quatre versions en pintura d'esta obra entre 1893 i 1910. Va simplificar molt el paisage, pero se sap que és el tossal i poble de Ekeberg, junt al fiort de Kristiania. El filòsof alemà Arthur Schopenhauer havia dit que l'art tenia com a llímit expressiu l'incapacitat de "fer sentir" el crit,[27] que és precisament el títul que l'artiste noruec va donar a la seua obra.
Passejava per una carretera en dos amics quan el sol es va posar. De sobte el cel es tiñó de roig sanc i vaig sentir un crit infinit que travessava la naturalea.[28]
  • Pubertat. 1894-95. Oli sobre llenç. 151,5 x 110 cm. Galeria Nacional, Oslo.
  • Madonna. 1894-95. Oli sobre llenç. 91 x 70,5 cm. Galeria Nacional, Oslo.
  • Celosies. Oli sobre llenç. 66,7 x 100,3 cm. Rasmus Meyers Salinger, Bergen. Una litografia en el mateix títul, de 1896, es conserva en l'Archiu Municipal d'Art d'Oslo.
  • La dòna en tres etapes. 1895. Oli sobre llenç. 164,1 x 250 cm. Rasmus Meyers Salinger, Bergen.
Va ser en 1895. Vaig fer una exposició en l'autumne en la galeria Blomquist (Oslo). Els quadros varen provocar un trement rebuig. La gent volia boicotejar la galeria, cridar a la policia. Un dia em vaig trobar allí a Ibsen… va mostrar un interés especial per “Dòna en tres etapes”. Vaig tindre que explicar-li el quadro. Ací està la dòna somiadora, allí la dòna famolenca de vida i finalment la dòna com a monja, pàlida i empinada entre els arbres… Uns anys despuix Ibsen va escriure “Quan els morts despertem”… Estes tres figures femenines apareixen en freqüència en el drama de Ibsen, igual que en el meu quadro.
  • El bes. 1897. Gravat. Archiu Municipal d'Art d'Oslo.
  • Chicones en el moll. 1899. Oli sobre llenç. 135,9 x 125,4 cm.
No pinte lo que veig sino lo que vaig vore.
  • Amor i Psique. 1907. Oli sobre llenç. 119,4 x 99,1 cm. Museu Munch, Oslo.
A principis de sigle tenia la necessitat de trencar en àrees i llínees. Sentia que esta forma de pintar es podia convertir en una costum… Despuix vaig pintar una série de quadros en llínees amples, a sovint d'un metro de llarc, que s'estenien vertical, horisontal i diagonalment.

Munch en els museus

[editar | editar còdic]

En morir, va llegar més de 1000 quadros, 15 400 gravats, 4500 dibuixos i #aquarela i sis escultures a la ciutat d'Oslo, que va construir el Museu Munch en el barri de Tøyen en el seu honor. Les obres es varen costejar en la recaptació de les sales de cine de propietat municipal, i es va inaugurar en 1963.

Despuix del sonat robo de El crit i Madonna, de gran resonància internacional, es varen reforçar les mides de seguritat en 2005, de tal modo que les obres més valioses s'exhibixen darrere de grans panels de vidre, en expositors que recorden als escaparats comercials. Els dos quadros citats es varen recuperar en desperfectes menors, i varen ser presentats provisionalment en una vitrina, sense els seus marcs, per a mostrar l'alcanç de tals danys.

Munch va carir de presència en museus d'Espanya fins a data recent. Ara es coneixen dos obres seues: un retrat de la seua germana en el Museu Thyssen-Bornemisza de Madrit i un atre retrat (en préstam) en el Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC) de Barcelona.

Obres seleccionades

[editar | editar còdic]

Nuets

[editar | editar còdic]

Autorretratos

[editar | editar còdic]

Paisages

[editar | editar còdic]

Fotografies

[editar | editar còdic]

Referències

[editar | editar còdic]
  1. ↑ Simón Marchán Fiz, Les vanguardes en les arts i l'arquitectura (1900-1930), I, Espasa, Madrit, 2000, pág. 57.
  2. ↑ 2,00 2,01 2,02 2,03 2,04 2,05 2,06 2,07 2,08 2,09 2,10 2,11 2,12 2,13 2,14 2,15 2,16 2,17 2,18 2,19 2,20 2,21 2,22 2,23 2,24 2,25 2,26 2,27 2,28 2,29 2,30 2,31 2,32 2,33 2,34 2,35 2,36 2,37 2,38 2,39 2,40 2,41 Munch, Edvard (1984). Edvard Munch : paintings, sketches, and studies, 1st American ed edició, C.N. Potter. OCLC 11044938. ISBN 0-517-55617-0.
  3. ↑ 3,00 3,01 3,02 3,03 3,04 3,05 3,06 3,07 3,08 3,09 3,10 3,11 3,12 3,13 3,14 3,15 3,16 3,17 3,18 3,19 3,20 3,21 3,22 3,23 3,24 3,25 3,26 3,27 3,28 3,29 3,30 Munch, Edvard (2005). Edvard Munch : behind the Scream, Yale University Press. OCLC 59879572. ISBN 0-300-11024-3.
  4. ↑ «Kiss by the Window by Edvard Munch». www.edvard-munch.org. Consultat el 2022-06-21.
  5. ↑ Berman, Patricia G., ed. (1986). Edvard Munch: Mirror Reflections. West Palm Beach, FL: Norton Gallery & School of Art. OCLC 757178143.
  6. ↑ O'Neill, Amanda (1996). The Life and Works of Munch. Bristol: Parragon Book Service. ISBN 0-7525-1690-6..
  7. ↑ «The Graphic Works and Prints of Edvard Munch» (en en). The I.B.Tauris Blog. Consultat el 2022-06-21.
  8. ↑ «..Nikolai Astrup: The Way Home | KODE...». kodebergen.no. Consultat el 2022-06-21.
  9. ↑ 9,0 9,1 Reinhold Heller: Anton von Werner, der Fall Munch und die Moderne im Berlin der 1890er Jahre. Berlin, S. 102–103
  10. ↑ 10,0 10,1 10,2 10,3 10,4 10,5 10,6 Reinhold Heller: Anton von Werner, der Fall Munch und die Moderne im Berlin der 1890er Jahre.Berlin, S. 104
  11. ↑ Vgl. Eva Züchner, Berlinische Galerie: Stationen der Moderne: die bedeutenden Kunstausstellungen dones 20. Jahrhunderts in Deutschland. Berlinische Galerie, Museum für Moderne Kunst, Photographie und Architektur, 1988
  12. ↑ «Bloomsbury Collections - August Strindberg and Visual Culture - The Emergence of Optical Modernity in Image, Text and Theatre» (en en). www.bloomsburycollections.com. Consultat el 2022-06-21.
  13. ↑ «[1]». Consultat el 2022-06-21 (en en-US).
  14. ↑ Faerna, José María. (1996). Munch, Cameo/Abrams. OCLC 35718731. ISBN 0-8109-4694-7.
  15. ↑ MacDonald, Margaret F.; Whistler, James McNeill (2003). Whistler's mother : an American icon, Lund Humphries. OCLC 54279837. ISBN 0-85331-856-5.
  16. ↑ Hans Dieter Huber: Edvard Munch. Tanz dones Lebens. Reclam, Stuttgart 2013, ISBN 978-3-15-010937-3, S. 65–66.
  17. ↑ Hans Dieter Huber: Edvard Munch. Tanz dones Lebens. Reclam, Stuttgart 2013, ISBN 978-3-15-010937-3, S. 67.
  18. ↑ Uwe M. Schneede: Edvard Munch. Die frühen Meisterwerke. Schirmer/Mosel, München 1988, ISBN 3-88814-277-6, S. 20.
  19. ↑ Hans Dieter Huber: Edvard Munch. Tanz dones Lebens. Reclam, Stuttgart 2013, ISBN 978-3-15-010937-3, S. 67–68.
  20. ↑ Hans Dieter Huber: Edvard Munch. Tanz dones Lebens. Reclam, Stuttgart 2013, ISBN 978-3-15-010937-3, S. 69–70.
  21. ↑ Uwe M. Schneede: Edvard Munch. Die frühen Meisterwerke. Schirmer/Mosel, München 1988, ISBN 3-88814-277-6, S. 20–21.
  22. ↑ 22,0 22,1 22,2 Faerna, José María. (1996). Munch, Cameo/Abrams. OCLC 35718731. ISBN 0-8109-4694-7.
  23. ↑ Smithsonian Institution. Traveling Exhibition Service, Gabriel P.; #Virginia Museum of Fine Arts, {{{nom2}}} (1986). Art Nouveau Bing : Paris style 1900, Abrams. OCLC 13329923. ISBN 0-86528-031-2.
  24. ↑ Thorpe, Vanessa (7 April 2019). "Edvard Munch 'reunited' with fiancée for British Museum show". The Observer. ISSN 0029-7712..
  25. ↑ Bernau, Nikolaus (2005). "Wo hing Munchs Lebens-Fries? Zu dem Bau der Kammerspiele und ihrem berühmtesten Schmuck". In Koberg, Roland; Stegemann, Bernd; Thomsen, Henrike (eds.). Blätter dones Deutschen Theaters. Berlin: Max Reinhard, Dones Deutsche Theater..
  26. ↑ Altern, Arne (1961). "Tanker omkring et nedrevet hus". St. Hallvard..
  27. ↑ Gutiérrez Aragó, Manuel. «Edvard Munch: ¿Cóm es pinta un crit?». Consultat el 27 de setembre de 2015. «“El llímit d'una obra d'art està en la seua capacitat per a representar el crit”, corrobora Schopenhauer.»
  28. ↑ Edvard Munch. «MM T 2547, fol. 53r» (en anglés). Munch Museet. Consultat el 27 de setembre de 2015. «I was walking along the road with two friends when the sun went down. The sky suddenly turned to blood and I felt a great scream in Nature.»

Bibliografia

[editar | editar còdic]
  • Heard Hamilton, G. Pintura i escultura en Europa 1880-1940. Madrit: Edicions Càtedra, 1980.
  • Bischoff, Ulrich. Munch 1863-1944, Quadros sobre la vida i la mort. Madrit: Benedikt Taschen Verlag, 2000.
  • De Micheli, M. Les vanguardes artístiques del sigle XX. Madrit: Aliança Editorial, 1996.
  • Loshack, David. Munch. Madrit: Editorial LIBSA, 1991.
  • Messer, Thomas. Eduard Munch. Madrit: Juliol Ollero, 1991.

Enllaços externs

[editar | editar còdic]

Commons


Referències

[editar | editar còdic]
Obtingut de «https://www.lenciclopedia.org/w/index.php?title=Edvard_Munch&oldid=719859»