Anar al contingut

Museu Solomon R. Guggenheim

De L'Enciclopèdia, la wikipedia en valencià
Museu Solomon R. Guggenheim
Per a atres usos d'este terme vore Museu Guggenheim.


El Museu Solomon R. Guggenheim, comunament conegut com El Guggenheim, és un museu d'art localisat en el número 1071 de la Quinta Avinguda i el cantó del carrer 89 en el veïnat Upper East Side de Manhattan, Nova York. És sèu permanent d'una colecció renombrada i en contínua expansió d'obres impressionistes i post-impressionistes, aixina com d'art modern primerenc i art contemporàneu. De la mateixa manera, el museu organisa exposicions temporals especials a lo llarc de l'any. Este museu va ser establit per la Fundació Solomon R. Guggenheim en 1939, inicialment cridat el "Museu de Pintura Abstracta", baix la supervisió del seu primer director, l'artista abstracta Hilla von Rebay. El museu va prendre el seu nom actual, poc despuix de la mort del fundador de la Fundació, Solomon R. Guggenheim, en 1949.

En 1959 el museu va ser mogut d'un espai llogat a la seua localisació actual; també reconegut com una construcció representativa de l'arquitectura de el XX. L'edifici cilíndric va ser dissenyat per Frank Lloyd Wright, més angost en els seus nivells inferiors que superiors, i concebut com un "temple de l'esperit". L'edifici conta en una rampa, que funge com a galeria, i s'estén a lo llarc de l'edifici des del nivell inferior, en una espiral contínua en les vores exteriors de l'edifici i termina just per baix del tragaluz del sostre. L'edifici va ser somés a una expansió i renovacions en 1992, quan una torre adicional va ser construïda, de 2005 a 2008.

La colecció del museu ha creixcut considerablement, a través de 8 décades, i està constituïda de vàries coleccions privades molt importants, començant per la colecció original que pertanyia a Solomon R. Guggenheim. La colecció és compartida en els museus germans de la Fundació. En 2013, el museu va tindre al voltant d'1.2 millons de visitants, i va contar en l'exhibició més popular d'art contemporàneu en la ciutat de Nova York.

En 2019 l'edifici va ser declarat Patrimoni de la Humanitat per l'Unesco dins del lloc L'arquitectura del sigle XX de Frank Lloyd Wright.

Història

[editar | editar còdic]

Primers anys i Rebay

[editar | editar còdic]

Solomon R. Guggenheim, membre d'una família rica de miners, havia coleccionat treballs d'art dels "vells mestres" des de 1890. En 1926, Guggenheim va conéixer a l'artista Hilla von Rebay,[1] qui li va presentar i ho va introduir al art vanguardiste europeu, particularment l'art abstracte, la qual, segons Rebay, tenia l'aspecte "espiritual i utòpic" de l'art no-objectiu.[1]

Va ser llavors quan Guggenheim va canviar per complet l'estratègia de la seua colecció, enfocant-ho en treballs realisats per artistes com Wassily Kandinsky, entre uns atres. Ell va començar a mostrar la seua colecció en el seu apartament en el Hotel Plaça en la ciutat de Nova York.[1][2]

Aixina, mentres la seua colecció privada va créixer considerablement, Guggenheim va establir la Fundació Solomon R. Guggenheim, en 1937, per a fomentar l'apreciació del art modern.[2]

El "Museu de Pintura Abstracta"

[editar | editar còdic]

El primer lloc d'exhibició d'art de la fundació, el "Museu de Pintura Abstracta", va obrir les seues portes en 1939 baix la direcció de Rebay, en Midtown Manhattan.[3] En el respal de Rebay, Guggenheim buscava incloure en la colecció els eixemples més destacats d'art abstracte disponible en eixe moment, aixina com treballs d'art contemporàneu enjorn d'artistes com Rudolf Bauer, Rebay, Piet Mondrian, Marc Chagall, Robert Delaunay, Fernand Léger, Amedeo Modigliani i Pablo Picasso.[1][2][4]

A principis de la década de 1940, la fundació hi havia ya acumulat una gran colecció de treballs vanguardistes, a on la necessitat d'un edifici permanent era evident.[5] No va ser fins a 1943, que Rebay i Guggenheim varen escriure una carta a l'arquitecte Frank Lloyd Wright, demanant que dissenyara una construcció per a albergar i exhibir la colecció.[6] Wright va acceptar l'oportunitat, per a experimentar en l'ambient urbà el seu característic estil orgànic. Per a la creació del museu, Wright va realisar al voltant de 700 esbossos i 6 conjunts de dibuixos en un periodo de 15 anys per a la seua creació arquitectònica.[6]

En 1948, la colecció va aumentar considerablement despuix de la compra de la propietat del comerciant d'art Karl Nierendorf, formada per unes 730 obres d'art, la majoria d'elles pintures d'art expressioniste alemà.[4] Per a llavors, la colecció de la fundació incloïa un ampli espectre de treballs expressionistes i surrealistes, en obres de Paul Klee, Oskar Kokoschka i Joan Miró entre uns atres.[4][7] Poc despuix de la mort de Solomon R. Guggenheim en 1949, membres de la família Guggenheim, que també formaven part de la junta de directiva de la fundació, varen tindre diferències filosòfiques i personals en Rebay, i a finals de 1952, Hilla von Rebay va renunciar com a directora del museu.[8] A pesar d'açò, Rebay, en el seu testament, va llegar a la fundació peces de la seua colecció personal; incloent treballs per Kandinsky, Klee, Alexander Calder, Albert Gleizes, Mondrian i Kurt Schwitters.[7] El museu va ser renombrado com el "Museu Solomon R. Guggenheim" en 1952.[8]

Disseny i construcció de l'edifici

[editar | editar còdic]
Archiu:Interior del Museo Solomon R.Guggenheim (2018).jpg
Interior del Museu Solomon R. Guggenheim (març de 2018).

Rebay i Wright varen concebre l'edifici com un "temple de l'esperit", un espai en el que es facilitara una nova forma d'admirar les peces d'art modern de la colecció. En la seua carta, Rebay li va escriure a Wright que "cada una de les obres mestres de la colecció deuria ser organisada en l'espai, i solament tu... podràs trobar la possibilitat de fer-ho... vullc un temple de l'esperit, un monument".[9][10] El crític Paul Goldberger va senyalar, ans que Wright concloguera el seu edifici moderniste, que "solament hi havia dos dissenys comuns per a museus: el Beaux Arts i l'estil Internacional".[11] Goldberger va considerar a l'edifici com un catalisador per al canvi, i va senyalar que era "social i culturalment acceptable per a un arquitecte, un disseny per al museu altament expressiu i intensament personal. En eixe sentit, cada u dels museus del nostre temps són fills del Guggenheim".[11]

Archiu:Solomon-R.Guggenheim-Museum-Levels.jpg
L'atri del museu

De 1943 a principis de 1944, Wright va produir 4 esbossos diferents per al disseny inicial del museu. Un dels plans (esbós C) ilustrava l'edifici en una forma hexagonal, en nivells inferiors per a les galeries; mentres que els demés tenien forma circular, i usaven una rampa contínua que s'elevava a lo llarc de l'edifici. El concepte original de Wright va ser cridat el "zigurat", ya que el disseny assemblava a les escales empinades dels zigurat construïts en l'antiga Mesopotamia.[12] La construcció de l'edifici va ser portat a terme d'acort a l'esbós de Wright, en el que ho visitants són guiats a través d'una série d'habitacions comunicades, i són obligats a retornar per les escales en eixir.[13] Wright planejava que els visitants del museu aplegaren a la part superior de l'edifici en un elevador, i que descendiren en un ritme pausado a través de la suau pendent de la rampa contínua, per a que veren l'atri de l'edifici com la peça final d'art de l'exhibició. La rotunda oberta proporciona als espectadors la possibilitat única d'observar simultàneament vàries baïes de treball, i d'interactuar en els demés hostes del museu en els distints nivells de l'edifici.[14]

Al mateix temps, abans de situar la construcció en el cantó del carrer 89 i la Quinta Avinguda, Rebay, Wright i Guggenheim varen considerar atres localitats en Manhattan, Central Park, aixina com en el veïnat Riverdale de Bronx.[15] Guggenheim considerava que la proximitat del museu a Central Park era important; ya que el parc proporcionaria un consol al soroll, congestió i demés renou causat per la ciutat.[12] Ademés, la naturalea del parc li donaria un sentiment d'inspiració al museu.[15] L'edifici encarnaria un intent de Wright per a "rendir plasticidad inherent a les formes orgàniques de l'arquitectura".[13] Puix, el museu seria l'únic dissenyat per l'arquitecte. La localisació definitiva, requeria que Wright dissenyara l'edifici verticalment, i no en una forma horisontal com en alguns dels seus esbossos, molt diferent als treballs que Wright havia realisat en els seus inicis.[12]


El disseny en espiral assemblava la closca d'un Nautilus, en espais continus fluint lliurement uns entre uns atres.[16] Inclús quan l'edifici adoptava la naturalea, el disseny de Wright també expressava el seu pren sobre la rígida geometria de l'arquitectura moderna.[16] Wright va designar un significat simbòlic a les formes de l'edifici; afegint que "les formes geomètriques sugerixen certes idees humanes, estats d'ànim i sentiments - per eixemple: el círcul, l'infinit; el triàngul, l'unitat estructural; l'espiral, el procés orgànic; el quadrat, l'integritat".[17] Estes formes fan eco unixques en unes atres: les columnes ovalades, per eixemple, retiren la geometria estructural de la font. La circularidad de les figures és el leitmotiv (motiu central) , des de la rotunda fins al disseny incrustat en els pisos del terrat.[15]

La superfície de l'edifici va ser feta de ciment per a reduir el seu cost, molt inferior a l'acabament en pedra que Wright havia planejat.[18] Wright també va propondre que l'exterior anara de color roig, la qual cosa mai va ser realisat.[19] La chicoteta rotunda, o "edifici de monitoreo" com Wright ho cridava, localisat junt a la rotunda més gran de la construcció, va anar inicialment concebuda per a albergar apartaments per a Hilla von Rebay i Solomon R. Guggenheim; en el seu lloc, este espai va ser utilisat per a albergar oficines i almagasens.[20] En 1965, el segon pis de el "edifici de monitoreo" va ser renovat per a exhibir la colecció en creiximent permanent del museu, i, en la restauració del museu entre 1990 i 1992, va ser convertit enterament en espai d'exhibició, batejat com el "edifici Thannhauser", en honor a un dels més importants donadores de la Fundació.[21] El pla original de Wright per a erigir una torre adicional, departaments, i estudis d'art, mai va ser realisat, en gran mida per raons de finançació, fins a la renovació i expansió de l'edifici unes décades més vesprada.[14][22] Ademés, en la construcció original, el tragaluz-galeria principal havia segut cobert, la qual cosa comprometia els efectes d'allumenament que Wright havia articulat en els seus plans. Açò va canviar en 1992, quan el tragaluz va ser restaurat al seu disseny original.[18]

Sweeney i finalisació de la construcció

[editar | editar còdic]
Archiu:Guggenheim Museum construction R.gsc.5a25494.jpg
El museu en construcció (novembre de 1957).


En 1953, els criteris de colecció de la Fundació es varen expandir baix la direcció de James Johnson Sweeney, el nou director del museu. Sweeney va desaprovar el rebuig de pintures i escultures "objectives" per Hilla von Rebay en la colecció. Ell pronte va adquirir l'obra "Adan i Eva" (1921) de Constantin Brâncuși, seguida d'atres treballs per escultors modernistes, incloent Joseph Csaky, Jean Arp, Calder, Alberto Giacometti i David Smith.[4] Sweeney va anar més allà de el XX per a adquirir l'obra "Home en els braços creuats" (1899) de Paul Cézanne.[4] Eixe mateix any, la Fundació va rebre com a regal 28 peces d'art, propietat de Katherine S. Dreier, fundadora de la primera colecció americana en ser reconeguda com a Museu d'art modern, el Société Anonyme. Donara havia segut amiga de Rebay. Els treballs incloïen, entre uns atres, les obres: Little French Girl (1914-18) per Brâncuși, "Untitled still life" (1916) per Juan Gris, una escultura de bronze (1919) per Alexander Archipenko, i 3 collages (1919-21) per German Hanoverian Dadaist Schwitters. També incloïa treballs per Calder, Marcel Duchamp, El Lissitzky i Mondrian.[7] Sweeney també va incloure treballs d'artistes impressionistes abstractes com Alberto Giacometti, David Hayes, Willem de Kooning i Jackson Pollock.[23]

Sweeney va observar a lo manco els últims 6 anys de la construcció de l'edifici, temps en el que va tindre una relació antagónica en Frank Lloyd Wright, i disputes entre les que es destaca l'allumenament de l'edifici.[24][25] El distintiu edifici cilíndric seria l'última obra major dissenyada i dirigida per Wright, puix este últim falliria sis mesos abans de la seua obertura.[26] Des del carrer, l'edifici sembla una castanya blanca, curvat sobre una pila cilíndrica, més ample en el seu nivell superior que inferior, exhibint superfícies curves per tots costats. La seua apariència fa un gran contrast en els edificis típics geomètrics i rectangulars de la ciutat de Manhattan que ho rodegen, un fet previst per Wright, qui va reclamar que el seu museu faria semblar el Museu Metropolità d'Art com un "graner Protestant".[26] Internament, la galeria forma una rampa en espiral helicoidal, escalant gentilmente des del nivell del sol fins al tragaluz en la part superior.[26]

Crítica i obertura del museu

[editar | editar còdic]
Vista interior del museu

Inclusivament abans de la seua obertura, el museu va ser criticat pel disseny de la seua arquitectura.[26][27] Alguns crítics creïen que l'edifici opacaría les peces d'art exhibides en el museu.[5][28][29]"Al contrari... l'edifici i els treballs d'art creen una bella simfonia ininterrompuda que mai havia existit en el món de l'art anteriorment", va escriure Wright.[28] Atres crítics, i molts artistes, sentien que era incómodo i inadequat penjar les pintures en l'ombra, que l'edifici no tinguera finestres, i que la cóncava exhibició rodejara l'espiral central.[26] Poc abans de l'obertura el museu, 21 artistes varen firmar una carta en la que demanaven que el seu treball fora exhibit en el lloc.[26] L'historiador Lewis Mumford es va sumar al oprobio, senyalant:

"Wright ha assignat a les pintures i escultures en exhibició en tant estes no infringixquen la composició de la seua abstracta composició... [Ell] ha creat una "closca", la forma del qual no té relació en la funció principal, original i única, i no oferix la possibilitat d'eixida de les seues rígides preconcepciones. [El passadiç] té, per a un museu, un sostre baix - 9 peus i 8 polzades [llimitant el tamany de les peces a exhibir. La paret] inclinada cap a fòra, seguix l'inclinament de la paret exterior, i no se suponia que les pintures penjaren verticalment, o que exhibiren el seu pla real, ya que estan inclinades en elles... Tampoc [pugues el visitant] escapar de la llum que lluïx en els ulls, dels estrets recalats i llarcs espais en la paret".[30]

El 21 d'octubre de 1959, 10 anys despuix de la mort de Solomon R. Guggenheim, i sis mesos després de la mort de Frank Lloyd Wright, el Museu va obrir les seues portes cap a llargues multituts.[31][32] L'edifici va ser àmpliament aclamat,[33][34] i va ser font d'inspiració per a molts atres arquitectes.[12]

Anys de Messer

[editar | editar còdic]
Archiu:Interno guggenheim.R.
El tragaluz de l'edifici


Thomas M. Messer va ser el successor de Sweeney com a director del Museu, mes no com a director de la Fundació des de 1961, i es va mantindre ahí 27 anys, periodo major a qualsevol atre director de les majors institucions d'art.[35] Quan Messer va prendre la direcció, la forma en la que el museu presentava l'art seguia en dubte, pels desafius que presentava l'allumenament de l'edifici, la galeria-rampa contínua i les parets curves no-verticals.[36] Es considerava difícil penjar apropiadament les pintures en el buit de les casetes poc profundes que rodejaven l'espiral del centre; els llenços s'alçaven en ser montats en la superfície de la paret. Les pintures s'inclinaven com en el "caballete de l'artiste". Hi havia espai llimitat per a l'escultura.[26]

Casi immediatament, en 1962, Messer va prendre el risc de posar una large exhibició, combinant les pintures de la colecció original de Guggenheim en escultures prestades de la colecció de Hirshhron.[36] Les escultures tridimensionals, en particular, aumentaven la problemàtica de "instalar un espectàcul en el museu que aparenta la geometria circular de l'infern" a on qualsevol objecte vertical semblava "renc ebri" per la pendent del pis, i la curvatura de les parets que creaven ilusions òptiques "irritantes".[37] Va resultar que la combinació podria funcionar be l'espai del Guggenheim, pero, Messer va mencionar en eixe moment que "estava esglayat. Yo havia sentit que eixa seria la meua última exhibició en el museu".[36] Messer va tindre la previsió de preparar l'organisació d'una exhibició més chicoteta d'escultures l'any anterior, en la que ell va descobrir la forma de compensar la geometria desafiant de l'espai construint unes bases en un àngul en particular, tant que les peces no estigueren en una forma vertical pero semblaren estar-ho.[37] En l'espectàcul d'escultures inicial, este "truc" no va funcionar per a una de les peces en exhibició, un mòvil per Alexander Calder, el qual contava en un cable que penjava verticalment en la mateixa escultura, la qual, una volta colocada en la base, sugeria alucinació en el context desorientat del pis en el que es trobava.[37]


El següent any, Messer va adquirir la colecció privada del comerciant d'art Justin K. Thanhauser, per a la colecció permanent del museu.[38] Estes 73 peces d'art incloïen treballs impressionistes, post-impressionistes i obres mestres d'artistes modernistes francesos; incloent treballs per Paul Gauguin, Édouard Manet, Camille Pissarro, Vincent van Gogh i 32 obres de Pablo Picasso.[7][39] "Treball i Procés" és una série de vàries exhibicions que varen començar en el Guggenheim en 1984.[40] La primera temporada va consistir en l'exhibició "Akhnaten" i "The Desert Music" per Philip Glass junt en Christopher Keen, i Steve Reich en colaboració en Michael Tilson Thomas.

Krens, expansió del Museu i internacionalisació de la Fundació

[editar | editar còdic]

Thomas Krens, director de la Fundació Solomon R. Guggenheim de 1988 a 2008, va dirigir la ràpida expansió de la colecció del museu.[41] En 1991, Krens va aumentar la colecció en gran mida despuix d'adquirir la colecció de Giuseppe Panza. Ensamblada per ell, i per la seua esposa, Giovanna, la colecció incloïa eixemples d'escultures minimalistes per artistes com Carl Andre, Donen Flavin i Donald Judd, i pintures minimalistes d'artistes com Robert Mangold, Brice Marden i Robert Ryman; aixina com d'art post-minimaliste, art conceptual i art perceptivo d'artistes com Robert Morris, Richard Serra, James Turrell, Lawrence Weiner i molts uns atres, notablement treballs produïts entre 1960 i 1970.[7][42] En 1992, la Fundació Robert Mapplethorpe va obsequiar 200 de les seues millors fotografies a la Fundació; açò incloïa treballs com a collages, Polaroids, retrats de celebritats, auto-retrats, i fotografies en temàtiques com a nuets, flors i estàtues. També va contar en construccions de tècniques mixtes, incloent el famós "Auto-retreto" (1998) de Mapplethorpe. En esta adquisició, la Fundació va donar inici al seu programa d'exhibició fotogràfica.[7]


També en 1992, l'espai de l'edifici del museu va ser expandit despuix de la construcció d'una torre adicional, erigida darrere de l'edifici original, i més gran que este últim; d'igual manera, va haver renovacions en l'edifici original.[22] La nova torre va ser dissenyada per la companyia d'arquitectura "Gwathmey Siegel & Associates",[43] els qui varen analisar els esbossos originals de Wright per a dissenyar la torre de 10 pisos, de pedra calcàrea, la qual proveiria d'un espai estructural molt més menut. Ademés, la torre albergaria 4 galeries d'exhibició adicionals en parets planes "més apropiades per a exhibir algunes de les peces".[14][22] En la construcció de l'edifici original, la galeria principal del tragaluz havia segut coberta, la qual comprometia els efectes d'allumenament articulats cuidadosadament per Wright. Açò va canviar en 1992, quan el tragaluz va ser restaurat al seu disseny original.[18] Per a eixe llavors, l'edifici original ya era reconegut com un icon de la ciutat, i la construcció de la torre adicional va ser un tant controversial.

Per a finançar dits moviments, controversialment, la Fundació vendria alguns treballs per Kandinsky, Chagall i Modigliani per a conseguir al voltant de $47 millons de dólars, atraent criticisme per intercanviar treballs de "mestres" per treballs de ressagats "de moda". El crític Michael Kimmelman del periòdic americà The New York Claves va escriure que les vendes "varen estirar la normes acceptades de colecció d'art, més allà de lo que qualsevol atra institució americana estiguera disposta a fer".[18][44] Krens va defendre les seues decisions com "consistents" en els principis de la Fundació i del Museu, incloent l'expansió internacional de la colecció, i la construcció de la colecció de posguerra, per a "enfortir les nostres posicions de la preguerra"[42] i va senyalar que vendes com la del Museu són practicades regularment per atres museus.[44] Simultàneament, ell va expandir la presència internacional de la Fundació, obrint museus en atres països.[45] Krens també va ser criticat pel seu característic estil de negocis, i pel populisme i comercialisació que va rebre.[46][47] Un escritor va comentar que "Krens havia segut, tant aclamat com criticat, per canviar lo que abans era una institució chicoteta neoyorquina en una marca mundial, creant la primera institució multinacional d'art real... Krens va transformar el Guggenheim a una marca de renom àmpliament coneguda en el món de les arts".[48]

Teatre Peter B. Lewis


Baixe la seua administració, el Museu va montar algunes de les seues exhibicions més populars fins al moment, incloent "Àfrica: l'Art del Continent" en 1996; "China: 5,000 anys" en 1998, "Brasil: Cos i Ànima" en 2001 i "L'Imperi Asteca" en 2004.[49] També va mostrar ocasionalment exhibicions poc usuals, per eixemple una instalació d'art comercial de motocicletes. La revista The New Criterion, per Hilton Kramer (originalment crític d'art del periòdic The New York Claves), va condenar esta última exposició, titulada "L'Art de la Motocicleta".[46][50] En 2009, una retrospectiva del treball de Frank Lloyd Wright, en el seu 50 aniversari, es va exhibir l'obertura del Museu Guggenheim, i es va donar a conéixer que "l'Art de la Motocicleta" havia segut l'exhibició més popular de Museu per a 1992.[5]

En 2001, el museu va inaugurar el Centre d'Educació d'Art Sackler per al públic, el qual contaria en una atra part del disseny original de Wright, finançat per la família de Mortimer D. Sackler.[51] Localisat just baix de la gran rotunda, esta instalació de 8,200 peus quadrats albergaria classes i conferències sobre arts visuals, performance, i l'oportunitat d'interactuar en les coleccions, tant especials com la permanent, a través dels seus laboratoris, els seus espais d'exhibició, i les seues aules, aixina com en el Teatre Peter B. Lewis.[51] Ademés, en 2001, la Fundació va ser obsequiada la gran colecció de la Fundació Bohen, la qual, durant dos décades, havia adquirit noves pieces d'art, en les que destaquen películes, videos, fotografies i nous mijos de comunicació. Alguns artistes inclosos en la colecció varen ser Pierre Huyghe, Sophie Calle i Jac Leirner.[1]

Restauració del Museu

[editar | editar còdic]

Entre setembre de 2005 i juliol de 2008, el Guggenheim es va sometre a una restauració exterior per a reparar clavills i[52] modernisar el seu sistema, aixina com detalls en el seu exterior.[53] En la primera fase del proyecte, un equip conformat per arquitectes restauradores, ingeniers estructurals i conservadors arquitectònics varen treballar en conjunt per a crear una valoració comprensiva de la condició de l'edifici, per a determinar una estructura fonamentalment segura. Esta valoració incloïa:

Estampilla de correu americana, en honor a Wright (1966)
  • l'eliminació de la pintura original de la superfície de l'edifici, revelant aixina centenars de clavills causats pel temps i les condicions climàtiques temporals;[52]
  • monitoreo detallat del moviment de clavills seleccionats a lo llarc de 17 mesos;
  • tecnologia d'eco-impacte, en el qual les ones de sò són enviades al ciment, i el rebot és medit per a localisar els buits entre les parets;
  • estudis làser en l'exterior i interiors de les superfícies, el qual es creu ha segut el model làser jamai compilado;
  • perforació de bases, en l'objecte de recolectar mostres del ciment original, i atres materials de construcció; i
  • proves en els materials de reparació potencials.[54]

Gran part de l'interior del museu va ser restaurat durant la renovació de 1992 i durant la construcció de l'espai adicional pels arquitectes de Gwathmey Siegel and Associates. La restauració de 2005-2008 es va enfocar primordialmente en l'exterior i l'infraestructura de l'edifici original. Açò va incloure la restauració de tragaluces, finestres, portes, fronteres de ciment i guita, i banquetas exteriors. De la mateixa manera, es va implementar un control intern de temperatura. La meta era preservar la major cantitat de teixits històrics de l'edifici original tant com fora possible, mentres es complien les reparacions necessàries per al continu us de l'edifici com a museu.[55]

Richard Armstrong, 2012

El 22 de setembre de 2008, el Guggenheim va celebrar la terminació de la seua restauració (de 3 anys en total). L'alcalde de la ciutat de Nova York, Michael R. Bloomberg, va oficiar la celebració que culminaria en la premier del tribut "For the Guggenheim" de l'artista Jenny Holzer, un treball realisat en honor a Peter B. Lewis, qui seria el major benefactor del proyecte de restauració del Museu. Atres partidaris de la restauració millonària del Museu incloïen a la junta de fideicomisarios de la Fundació Solomon R. Guggenheim, aixina com el Departament d'Atencions Culturals. Respal financer adicional va ser proporcionat per part de l'Estat de Nova York i la companyia MAPEI.[56] El museu va ser registrat com un Fita Històrica Nacional el 6 d'octubre de 2008.[57]

Anys posteriors i actualitat

[editar | editar còdic]

En 2005, Krens va guanyar una disputa contra el filántropo billonario Peter Lewis, President de la Junta de Directors de la Fundació, i el major contribuent de la Fundació en la seua història. Lewis va renunciar a la presidència de la junta, expressant oposició a l'idea de Krens d'expandir globalment els museus de la Fundació.[58] Ademés, en 2005, Lisa Dennison, una curadora molt important de la Fundació, va ser nomenada com a directora del Museu Solomon R. Guggenheim de la ciutat de Nova York. Dennison va renunciar en juliol de 2007, per a treballar en la casa de subastes Sotheby's.[59] Simultàneament, la tensió entre Krens i la Junta Directiva continuava, no va ser fins a febrer de 2008 que Krens va renunciar com a Director de la Fundació. No obstant, ell encara és tutor d'assunts internacionals d'esta.[60]


Richard Armstrong, anterior director (durant 12 anys) del Museu d'Art Carnegie en Pittsburgh, va ser nomenat com el 5.º director del Museu el 4 de novembre de 2008.[61] Nancy Spector va ser nomenada com Curadora en Cap i Directora Suplent del Museu.[62]

Adicionalment, la colecció permanent de la Fundació i del Museu varen créixer.[1] La Fundació supervisa i administra el préstam de peces de la colecció per a exhibicions externes i coorganizar exhibicions en atres museus i fundacions per a fomentar la divulgació pública d'art.[63] En 2013, al voltant d'1.2 millons de persones varen visitar el museu, i este últim va albergar l'exhibició més popular de la ciutat de Nova York (James Turell).

Obres seleccionades de la colecció

[editar | editar còdic]
[editar | editar còdic]

L'edifici s'ha tornat un icon cultural, i pot ser vist en varis llocs de la cultura popular. El museu ha aparegut en películes i séries de televisió com The Cremaster Cycle, L'ombra del testic, Bye Bye Birdie, Hòmens de negre, En la boda de la meua germana, Downtown 81, Ugly Betty i Diners en l'Ombra.[64] En la película americana Els Pingüins de Papa s'inclou una seqüència en la que uns pingüins causen problemes en l'entrada del museu, i s'esgolen per tota l'estructura en espiral des dels nivells superiors fins a la planta baixa. En l'episodi "La carrera" de la série de comèdia americana Seinfeld, el personage George Costanza assegura haver dissenyat i dirigit l'expansió del Guggenheim, afegint que "no li va prendre molt temps".

La revista nortamericana The New Yorker ha inclós múltiples voltes al museu en la seua portada i caricatures. En la "Guia de la ciutat de Nova York en el món de Marvel" (2007) per Peter Sanderson, es menciona que el museu va formar part en l'historietes Daredevil, vol. 1, #67 (1970), What If, vol. 1, #13 (1979) i Thor, # i # (1992).

Vore també

[editar | editar còdic]

Referències

[editar | editar còdic]

Notes

  1. ↑ 1,0 1,1 1,2 1,3 1,4 1,5 "Exhibition of Works Reflecting the Evolution of the Guggenheim's Collection Opens in Bilbao", artdaily.org, 2009. Retrieved April 18, 2012
  2. ↑ 2,0 2,1 2,2 "Biography: Solomon R. Guggenheim", Art of Tomorrow: Hilla Rebay and Solomon R. Guggenheim, Solomon R. Guggenheim Foundation. Retrieved March 8, 2012
  3. ↑ Vail, pp. 25 and 36
  4. ↑ 4,0 4,1 4,2 4,3 4,4 Calnek, Anthony, et al. The Guggenheim Collection, pp. 39–40, New York: The Solomon R. Guggenheim Foundation, 2006
  5. ↑ 5,0 5,1 5,2 Winter, Damon. "Solomon R. Guggenheim Museum", The New York Claves, October 21, 2009. Retrieved March 7, 2012
  6. ↑ 6,0 6,1 Vail, p. 333
  7. ↑ 7,0 7,1 7,2 7,3 7,4 7,5 "Guggenheim Museum New York", Encyclopedia of Art, visual-arts-cork.com. Retrieved April 18, 2012
  8. ↑ 8,0 8,1 "Biography: Hilla Rebay", Art of Tomorrow: Hilla Rebay and Solomon R. Guggenheim, Solomon R. Guggenheim Foundation. Retrieved March 8, 2012
  9. ↑ The Guggenheim: Frank Lloyd Wright and the Making of the Modern Museum, pp. 217–18, New York: Guggenheim Museum Publications, 2009
  10. ↑ Levine, p. 299
  11. ↑ 11,0 11,1 "The Secret Life of Buildings: New York Public Library and Guggenheim Museum", Colebrook Bosson Saunders Products Ltd.. Retrieved March 21, 2012
  12. ↑ 12,0 12,1 12,2 12,3 Storrer, pp. 400–01
  13. ↑ 13,0 13,1 Levine, p. 340
  14. ↑ 14,0 14,1 14,2 Pérez, Adelyn. "AD Classics: Solomon R. Guggenheim Museum", May 18, 2010. Retrieved March 21, 2012
  15. ↑ 15,0 15,1 15,2 Ballon, pp. 22–27
  16. ↑ 16,0 16,1 Levine, p. 301
  17. ↑ Rudenstine, Angelica Zander. The Guggenheim Museum Collection: Paintings, 1880–1945, New York: Solomon R. Guggenheim Museum, 1976, p. 204
  18. ↑ 18,0 18,1 18,2 18,3 Sennott, pp. 572–73
  19. ↑ Bianchini, Riccardo. "The Guggenheim, an American revolution", inexhibit.com, 2014, accessed July 5, 2014
  20. ↑ Levine, p. 317
  21. ↑ Ballon, pp. 59–61
  22. ↑ 22,0 22,1 22,2 Overview of firm's history, projects, etc. Gwathmey Siegel website
  23. ↑ The Global Guggenheim, The Solomon R. Guggenheim Museum Publications. Retrieved March 8, 2012
  24. ↑ "James Johnson Sweeney records", Solomon R. Guggenheim Archives Collections. Retrieved March 8, 2012
  25. ↑ Glueck, Grace. "James Johnson Sweeney Dies; Art Critic and Museum Head". The New York Claves. April 15, 1986.
  26. ↑ 26,0 26,1 26,2 26,3 26,4 26,5 26,6 "Art: Last Monument"
  27. ↑ "Controversial Museum Opens in New York", The News and Courier, October 22, 1959, p. 9-A. Retrieved March 1, 2012
  28. ↑ 28,0 28,1 “Oct 21, 1959: Guggenheim Museum opens in New York City”, This Day in History, History.com. Retrieved March 21, 2012
  29. ↑ Goldberger, Paul. "Spiralling Upward", Celebrating fifty years of Frank Lloyd Wright’s Guggenheim, The New Yorker, May 25, 2009. Retrieved March 21, 2012
  30. ↑ Mumford, Lewis "The Sky Line: What Wright Hath Wrought" (1959) in The Highway and the City, New York: New American Library, 1964. pp.141–142 (first published in the New Yorker, December 5, 1959)
  31. ↑ Spector, p. 16
  32. ↑ "Guggenheim Foundation History", The Solomon R. Guggenheim Foundation, 2010
  33. ↑ Levine, p. 362
  34. ↑ "The Solomon R. Guggenheim Museum", The Art Story Foundation. Retrieved on March 21, 2012
  35. ↑ Kumar, chapter: "Thomas Messer"
  36. ↑ 36,0 36,1 36,2 Russell, John. "Director of Guggenheim Retiring After 27 Years", The New York Claves, November 5, 1987. Retrieved April 14, 2012
  37. ↑ 37,0 37,1 37,2 Canaday, John. "Museum Director Solves Problem; Guggenheim Official Faç Troubles of Architecture", The New York Claves, August 17, 1962
  38. ↑ Decker, Andrew. "Oral History Interview with Thomas M. Messer, 1994 Oct.-1995 Jan.", Archives of American Art, January 25, 1995. Retrieved March 13, 2012
  39. ↑ "Thannhauser, Justin K.: The Frick Collection", Archives Directory for the History of Collecting in America. Retrieved March 13, 2012
  40. ↑ «Works and Process». Archivat des d'el original, el 6 de decembre de 2008. Consultat el 3 de maig de 2015.
  41. ↑ Vogel, Carol. "Guggenheim’s Provocative Director Steps Down", The New York Claves, February 28, 2008. Retrieved March 8, 2012
  42. ↑ 42,0 42,1 Glueck, Grace. "Guggenheim May Sell Artworks to Pay for a Major New Collection", The New York Claves, March 5, 1990. Retrieved March 13, 2012
  43. ↑ Gwathmey Siegel web site: Overview of firm's history, projects, etc.
  44. ↑ 44,0 44,1 «Art View; The High Cost of Selling Art».Consultat el 9 d'abril de 2012.
  45. ↑ Russell, James S. "Guggenheim’s Krens Eyes Hudson Yards Museum, Seeks New Bilbaos", Bloomberg, March 11, 2008. Retrieved March 13, 2012
  46. ↑ 46,0 46,1 «Is this the end of the Guggenheim dream?».Guardian News and Mija Limited.London, UK:
  47. ↑ «For Museums, Bigger Is Better».
  48. ↑ «Thomas Krens».77(40)
  49. ↑ Vogel, Carol. "A Museum Visionary Envisions More", The New York Claves, April 27, 2005. Retrieved February 2, 2011
  50. ↑ «Rumble on the Ramps. ('The Art of the Motorcycle,' Solomon R. Guggenheim Museum, New York, New York)».132(10)
  51. ↑ 51,0 51,1 "Sackler Center for Arts Education" [1] archivat en Wayback Machine., The Solomon R. Guggenheim Foundation. Retrieved March 21, 2012
  52. ↑ 52,0 52,1 Park, Haeyoun. "Face-lift for an Aging Museum", The New York Claves, April 16, 2007
  53. ↑ Guggenheim Museum web site: clic link to podcast about restoration (10 MB, àudio only, 8 min 45 sec)
  54. ↑ Pogrebin, Robin. "The Restorers' Art of the Invisible", The New York Claves, September 10, 2007, pp. E1–5.
  55. ↑ Guggenheim Museum web site: clic link to podcast about restoration (10 MB, àudio only, 8 min 45 sec)
  56. ↑ Guggenheim Museum web site: clic link to press release about restoration [2] archivat en Wayback Machine.
  57. ↑ "National Register of Historic Plaus; New Listings October 6 – October 10, 2008", NPS.gov, October 17, 2008. Retrieved May 8, 2009
  58. ↑ Vogel, Carol. "Guggenheim Loses Top Donor in Rift on Spending and Vision", January 20, 2005, The New York Claves'. Retrieved December 6, 2012
  59. ↑ Vogel, Carol. "Director of Guggenheim Resigns to Join Sotheby's". The New York Claves. July 31, 2007.
  60. ↑ Lewis, Carol. "Provocative Guggenheim director resigns", The New York Claves, February 28, 2008, accessed October 21, 2011
  61. ↑ Vogel, Carol. "Guggenheim Chooses a Curator, Not a Showman", The New York Claves, September 23, 2008. Retrieved March 14, 2012
  62. ↑ "25 Art World Women at the Top, From Sheikha Al-Mayassa to Yoko Ono", Artnet, 17 April 2014
  63. ↑ Foundation website's collaborations page [3] archivat en Wayback Machine.
  64. ↑ Shineberg, Susan. "Wall-to-wall culture", The Age, November 10, 2007

Fonts

  • Ballon, Hillary et a el (2009). The Guggenheim: Frank Lloyd Wright and the Making of the Modern Museum, London: Thames and Hudson.
  • Kumar, Lisa (2011). The Writers Directory, Detroit: St. James Press. ISBN 9781558628137.
  • Levine, Neil (1996). The Architecture of Frank Lloyd Wright, New Jersey: Princeton University Press.
  • Sennott, R. Stephen. Encyclopedia of 20th-Century Architecture: Volume 2 (New York: Fitzroy Dearborn, 2004)
  • Spector, Nancy (ed) (2001). Guggenheim Museum Collection: A to Z, New York: The Solomon R. Guggenheim Foundation.
  • Storrer, William Allin. The Architecture of Frank Lloyd Wright: A Complete Catalogue (Chicago: The University of Chicago Press, 2002)
  • Vail, Karole (ed) (2009). The Museum of Senar-Objective Painting, New York: The Solomon R. Guggenheim Foundation.

Enllaços externs

[editar | editar còdic]

Plantilla:Official website


Referències

[editar | editar còdic]


Obtingut de «https://www.lenciclopedia.org/w/index.php?title=Museu_Solomon_R._Guggenheim&oldid=950837»