Teoria musical

Archiu:Title page of Rameau’s New System of Musical Theory.jpg

Teoria musical

Archiu:Gaffurio Pythagoras.png

Jubal, Pitágoras i Filolao realisant investigacions teòriques, en una talla en fusta de Franchinus Gaffurius, Theorica musicæ (1492).

La teoria musical és un camp d'estudi que té per objecte l'investigació dels diversos elements de la música, entre ells el desenroll i la metodologia per a analisar, escoltar, comprendre i compondre música. The Oxford Dictionary of Music descriu tres aspectes interrelacionados:

• El primer es referix als denominats “rudimentos” musicals, que en l'ensenyança es reduïxen als elements de notació com armadures, indicadors de compàs, valors rítmics i demés. D'acort en açò, la teoria es considera part indispensable per a l'estudi de la harmonia, el contrapunt i la forma musical.
• El segon es referix a l'estudi dels escrits musicals de l'antiguetat fins als nostres dies (estètica, notació, acústica, disseny d'instruments musicals, pràctiques interpretatives, etcétera).
• El tercer aspecte es referix al camp dels estudis musicológicos, que perseguixen una definició dels processos i principis generals de la música, un àrea d'investigació que pot diferenciar-se de l'anàlisis en prendre com a punt de partida no l'obra o l'interpretació individual, sino els materials fonamentals que la conformen.

La teoria musical sol ocupar-se de descriure cóm els músics i compositors fan música, incloent els sistemes de afinación i els métodos de composició, entre atres temes. Per la concepció cada volta més àmplia de lo que constituïx la música, una definició més inclusiva podria ser la consideració de qualsevol fenomen sonor, inclós el silenci. No obstant, esta no és una pauta absoluta; per eixemple, l'estudi de la "música" en el pla d'estudis universitari d'arts lliberals Quadrivium, que era comú en l'Europa medieval, era un sistema abstracte de proporcions que s'estudiava cuidadosadament a distància de la pràctica musical real. Pero esta disciplina medieval es va convertir en la base dels sistemes de afinación en sigles posteriors i generalment s'inclou en els estudis moderns sobre l'història de la teoria musical.

La teoria musical com a disciplina pràctica comprén els métodos i conceptes que els compositors i atres músics utilisen per a crear música. El desenroll, la conservació i la transmissió de la teoria musical en este sentit poden trobar-se en les tradicions musicals orals i escrites, en els instruments musicals i en atres artefactes. Per eixemple, els instruments antics procedents de jaciments prehistòrics de tot lo món revelen detalls sobre la música que produïen i, potencialment, una miqueta de la teoria musical que podrien haver utilisat els seus creadors (vore Història de la música i instrument musical). En les cultures antigues i vives de tot lo món, les profundes i llargues raïls de la teoria musical són visibles en els instruments, les tradicions orals i la creació musical actual. Moltes cultures també han considerat la teoria musical de manera més formal, com els tractats escrits i la notació musical. Les tradicions pràctiques i acadèmiques es solapan, ya que molts tractats pràctics sobre música s'inscriuen en una tradició d'atres tractats, que se citen regularment de la mateixa manera que els escrits acadèmics citen investigacions anteriors.

En el món acadèmic modern, la teoria musical és un subcampo de la musicologia, l'estudi més ampli de les cultures i l'història de la música. Etimológicamente, teoria musical, és un acte de contemplació de la música, de la paraula grega θεωρία, que significa un mirar, un vore; una contemplació, especulació, teoria; una vista, un espectàcul. Com a tal, sol ocupar-se d'aspectes musicals abstractes com la afinación i els sistemes tonals, les escales, la consonància i la dissonància, i les relacions rítmiques. Ademés, també hi ha un cos de teoria que es referix a aspectes pràctics, com la creació o l'interpretació de la música, l'orquestació, l'ornamentació, l'improvisació i la producció de sò electrònic. Una persona que investiga o ensenya teoria musical és un teòric de la música. Es requerix un estudi universitari, normalment fins al nivell de MA o doctorat, per a ensenyar com a teòric musical titular en una universitat nortamericana o canadenca. Els métodos d'anàlisis inclouen les matemàtiques, l'anàlisis gràfic i, especialment, l'anàlisis que permet la notació musical occidental. També s'utilisen métodos comparatius, descriptivos, estadístics i uns atres. Els llibres de text de teoria musical, especialment en els Estats Units d'Amèrica, solen incloure elements d'acústica musical, consideracions de notació musical i tècniques de composició (harmonia i contrapunt), entre atres temes.

Una persona especialisada en teoria musical és un teòric musical.

Indústria musical

És possible rastrejar l'enfocament teòric de la música fins a la més remota antiguetat. En les civilisacions cultes es conta fonamentalment entre els factors que varen ajudar a que la música es convertira d'un hàbit tradicional en un art conscientment estructurat. Per això, la teoria té una participació específica en la música, en particular en l'occidental. No obstant, a través dels anys i sobretot durant el XIX, el concepte més general de teoria musical (el seu contrari: la pràctica musical) va experimentar una transformació que s'allunta de la concepció Grega original de la "teoria" en quant «contemplació, examen, especulació» (del grec θεωρία, contemplació).

Actualment en occident, la teoria musical, junt a tot el coneiximent entorn a ella, s'agrupa en el concepte global de musicologia. Mentres que esta matèria pot incloure qualsevol declaració, creència o concepció de lo que és la música, la teoria musical està llimitada a les discussions concernents als events sincrónicos o diacrònics, d'una o vàries composicions i dels elements que l'integren.

Contingut

El contingut curricular de la teoria musical pot incloure elements com l'afinación, els intervals, les escales i concordes, el timbre, la textura, articulació i la dinàmica, la forma, els sistemes de notació, etc. En un segon nivell d'apreciació, la teoria pot explicar per mig de l'anàlisis i la percepció, les tècniques empleades en la composició musical. A través de les diferents assignatures, com harmonia, contrapunt, etc., l'estudi de la música comprén tots els conceptes relacionats en la comprensió d'este art, per mig de fòrmules, regles i patrons desenrollats pels teòrics musicals.

Generalment, els treballs de teoria musical són tant descriptivos com prescriptivos, puix en abdós s'intenta definir la pràctica i influir en la pràctica posterior. Aixina, la teoria musical es queda arrere de la pràctica d'important manera, pero també apunta a la futura exploració i eixecució. D'eixa manera, la teoria procedix d'una pràctica musical anterior, enfocada en un context educatiu de formació especialisada.

Fonaments de la música

La música es compon de fenomens auditius; la "teoria musical" considera cóm s'apliquen eixos fenomens en la música. La teoria musical considera la melodia, el ritme, el contrapunt, l'harmonia, la forma, els sistemes tonals, les escales, la afinación, els intervals, la consonància, la dissonància, les proporcions duracionales, l'acústica dels sistemes de to, la composició, l'interpretació, l'orquestació, l'ornamentació, l'improvisació, la producció de sò electrònic, etc.

To

Archiu:Middle C.png

Creto mig (261,626 Hz)Archiu:Middle C.mid

El to és l'altura d'un to musical, per eixemple, la diferència entre el do central i el do més alt. La freqüència de les ones sonores que produïxen un to pot medir-se en precisió, pero la percepció del to és més complexa perque les notes individuals de fonts naturals solen ser una mescla complexa de moltes freqüències. Per això, els teòrics solen descriure el to com una sensació subjectiva més que una mida objectiva del sò.

A les freqüències específiques se'ls sol assignar noms de lletres. En l'actualitat, la majoria de les orquestes assignen el La de concert (el La per damunt del Do central en el piano) a la freqüència de 440 Hz. Esta assignació és alguna cosa arbitrària; per eixemple, en la França de 1859, el mateix L'estava afinado a 435 Hz. Estes diferències poden tindre un efecte notable en el timbre dels instruments i atres fenomens. Per això, en l'interpretació històrica de la música antiga, la afinación sol ajustar-se a l'utilisada en l'época en que es va escriure. Ademés, moltes cultures no intenten estandardisar la afinación, ya que a sovint consideren que deu permetre's que varie en funció del gènero, l'estil, l'estat d'ànim, etc.

La diferència de afinación entre dos notes es denomina interval. L'interval més bàsic és l'unísono, que és simplement dos notes del mateix to. L'interval d'octava són dos tons que són el doble o la mitat de la freqüència de l'atre. Les característiques úniques de les octaves varen donar lloc al concepte de classe de to: els tons en el mateix nom de lletra que apareixen en diferents octaves poden agrupar-se en una única "classe" ignorant la diferència d'octava. Per eixemple, un Do alt i un Do baix són membres de la mateixa classe de to, la classe que conté tots els Do.

Els sistemes d'afinación musical, o temperaments, determinen el tamany precís dels intervals. Els sistemes de afinación varien molt dins i entre les cultures del món. En la cultura occidental, han existit durant molt temps varis sistemes de afinación que competixen entre sí, tots en diferents qualitats. A nivell internacional, el sistema conegut com temperament igual és el més utilisat hui en dia perque es considera el compromís més satisfactori que permet que els instruments de afinación fixa (per eixemple, el piano) sonen aceptablemente afinados en totes les tecles.

Escales i modos

Artícul principal → Escala musical.

Archiu:C major scale.png

Un patró de passos sancers i mijos en el modo jónico o escala major en CArchiu:Ionian mode C.mid

Les notes poden dispondre's en una varietat d'escalas i modos. La teoria musical occidental sol dividir l'octava en una série de dotze tons, cridada escala cromàtica, dins de la qual l'interval entre tons adjacents es denomina mig pas, o semitono. Seleccionant tons d'este conjunt de 12 i organisant-los en patrons de semitonos i tons sancers es creen atres escales.

Les escales més comunes són la major de sèt tons, la menor harmònica, la menor melòdica i la menor natural. Atres eixemples d'escales són l'escala octatónica i la pentatónica o de cinc tons, que és comú en la música folklòrica i el blues. Les cultures no occidentals solen utilisar escales que no es corresponen en una divisió de l'octava en dotze tons. Per eixemple, els sistemes musicals clàssics d'Otomana, Persa, Índia i Àrap a sovint fan us de múltiples de quartos de to (la mitat del tamany d'un semitono, com el seu nom indica), per eixemple en segons "neutres" (tres quartos de to) o terceres "neutres" (sèt quartos de to) -normalment no utilisen el quarto de to en sí mateixa com un interval directe.

En la notació occidental tradicional, l'escala utilisada en una composició sol indicar-se en una armadura de clau al principi per a designar els tons que componen eixa escala. A mida que la música alvança, els tons utilisats poden canviar i introduir una escala diferent. La música pot ser transpuesta d'una escala a una atra en diversos fins, a sovint per a acomodar el ranc d'un vocaliste. Dita transposició aumenta o disminuïx el ranc de to general, pero conserva les relacions interválicas de l'escala original. Per eixemple, la transposició de la tonalitat de Do major a Re major eleva tots els tons de l'escala de Do major per igual en un to sancer. Ya que les relacions d'interval no canvien, la transposició pot passar desapercebuda per a un oyent, no obstant, atres qualitats poden canviar notablement perque la transposició canvia la relació del extensió general dels tons en comparació al ranc dels instruments o veus que interpreten la música. Açò sol afectar al sò general de la música, ademés de tindre implicacions tècniques per als intérprets.

L'interrelació de les tonalitats més utilisades en la música tonal occidental es mostra convenientment per mig del círcul de quintes. A voltes també es conceben firmes de clau úniques per a una composició concreta. Durant el periodo barroc, les associacions emocionals en claus específiques, conegudes com la doctrina dels afectes, varen anar un tema important en la teoria musical, pero les coloració tonals úniques de les claus que varen donar lloc a eixa doctrina varen ser borrades en gran mida en l'adopció del temperament igual. No obstant, molts músics seguixen considerant que certes claus són més apropiades per a certes emocions que unes atres. La teoria de la música clàssica índia seguix associant fortament les claus en els estats emocionals, les hores del dia i atres conceptes extramusicales i, notablement, no ampra el temperament igual.

Consonància i dissonància

Artícul principal → Consonància i dissonància.

Consonància i dissonància són qualitats subjectives de la sonoritat dels intervals que varien molt en les diferents cultures i a lo llarc dels temps. La consonància (o concòrdia) és la qualitat d'un interval o concorde que sembla estable i complet en sí mateixa. La dissonància (o discòrdia) és lo contrari, ya que sembla incompleta i "vol" resoldre's en un interval consonant. Els intervals dissonants semblen chocar. Els intervals consonants semblen sonar cómodos junts. Normalment, les quartes, quintes i octaves perfectes i totes les terceres i sextes majors i menors es consideren consonante. Tots els demés sò dissonants en major o menor grau.

El context i molts atres aspectes poden afectar a la dissonància i consonància aparents. Per eixemple, en un preludi de Debussy, una segona major pot sonar estable i consonant, mentres que el mateix interval pot sonar dissonant en una fuga de Bach. En el periodo de la pràctica comuna, la quarta perfecta es considera dissonant quan no està recolzada per una tercera o quinta inferior. Des de principis de el XX, el concepte d'Arnold Schoenberg de dissonància "emancipada", en el que els intervals tradicionalment dissonants poden ser tractats com a consonància "més altes", més remotes, ha segut més àmpliament acceptat.

Ritme

Archiu:Metric levels.svg

Nivells mètrics: nivell de compàs mostrat en el centre en nivells de divisió per damunt i múltiples nivells per davall.

El ritme es produïx per la disposició seqüencial de sons i silencis en el temps. El metro medix la música en agrupacions regulars de polsos, cridades mides o compassos. La signatura de temps o signatura de metro especifica quànts temps hi ha en un compàs, i quin valor de nota escrita es conta o se sent com un sol temps.

Per mig de l'aument de l'accentuació, o variacions en la duració o l'articulació, es poden accentuar determinats tons. En la majoria de les tradicions musicals existixen convencions per a l'accentuació regular i jeràrquica dels temps en la finalitat de reforçar un determinat compàs. Els ritmes de síncopa contradiuen eixes convencions accentuant parts inesperades del compàs. L'eixecució simultànea de ritmes en més d'un compàs es denomina polirritmia.

En els últims anys, el ritme i el metro s'han convertit en un àrea important d'investigació entre els estudiosos de la música. Els més citats d'estos estudiosos recents són Maury Yeston, Fred Lerdahl i Ray Jackendoff, Jonathan Kramer, i Justin London.

Melodia

Artícul principal → Melodia.

Archiu:Pop Goes the Weasel melody. caps block 6

"Pop Goes the Weasel" melodia.Archiu:Pop Goes the Weasel.ogg.

Una melodia és una série de tons percebuts com una entitat, que sonen en successió i que típicament es mouen cap a un clímax de tensió per a després resoldre's en un estat de repòs. Degut a que la melodia és un aspecte tan prominent en gran part de la música, la seua construcció i atres qualitats són un interés primordial de la teoria musical.

Els elements bàsics de la melodia són el to, la duració, el ritme i el tempo. Els tons d'una melodia solen procedir de sistemes de afinación com l'escales o el modos. La melodia pot consistir, en grau creixent, en la figura, el motiu, la semi frase, la frase antecedent i conseqüent, i el periodo o frase. El periodo pot considerar-se la melodia completa, no obstant alguns eixemples combinen dos periodos, o utilisen atres combinacions de constituents per a crear melodies de forma més àmplia.

Concorde

Archiu:C triad.svg

C major triad represented in staff notation.
Archivo de audio "Just major triad on C.mid" no encontrado in just intonation
Archivo de audio "Major triad on C.mid" no encontrado en Equal temperament
Archivo de audio "Quarter-comma meantone major chord on C. mid" no encontrado in 1/4-comma meantone
Archivo de audio "Young temperament major chord on C.mid" no encontrado in Young temperament
Archivo de audio "Pythagorean major chord on C.mid" no encontrado in Pythagorean tuning

En la música un concorde és un conjunt harmònic de tres o més notes musicals que s'escolta com sonant de manera simultànea. No és estrictament necessari que es toque juntes: els arpegios i concordes quebrado poden, per numerosos aspectes pràctics i teòrics, constituir concordes. Els concordes i seqüències de concordes a sovint són utilisats freqüentment en música moderna occidental, de l'oest d'Àfrica, i Oceania, mentres que estan absents en la música de moltes atres parts del món.

Els concordes més freqüents són les tríades, cridades aixina perque consten de tres notes distintes: es poden afegir més notes per a donar concordes de sèptimas, concordes estesos o concordes de to afegits. Els concordes més comuns són el concorde major i el concorde menor. tríades i després la aumentada i disminuïda. Les descripcions major, menor, aumentada i disminuïda a voltes es denominen colectivament calitat dels concordes. Els concordes també són comunament classificats per la seua nota raïl -aixina, per eixemple, el concorde Do major pot ser descrit com una tríade de calitat major construïda sobre la nota Do. Els concordes també poden classificar-se per inversió, l'orde en el que s'apilen les notes.

Una série de concordes es denomina progressió harmònica. Encara que qualsevol concorde pugues, en principi, ser seguit per qualsevol un atre concorde, certs patrons de concordes han segut acceptats com l'establiment de clave en harmonia de pràctica comuna. Per a descriure açò, els concordes es numeren, utilisant números romans (cap a dalt des de la nota clau), per la seua funció diatònica. Formes comunes d'anotar o representar concordes en la música occidental distintes de la notació de pentagrama convencional inclouen números romans, baix sifrat (molt utilisat en l'época barroca), lletra de concordes (a voltes utilisats en la musicologia moderna), i varis sistemes de taula de concordes que es troben típicament en els fulls d'instruccions utilisades en música popular per a establir la seqüència de concordes per a que el músic puga tocar els concordes d'acompanyament o improvisar un sol.

Harmonia

Artícul principal → Harmonia.

Archiu:Caps block 8 Navy 080615- caps block 9 Navy Band Northwest's Barbershop Quartet win the hearts of the audience with a John Philip Sousa rendition of.jpg

Els quartets de barberia, com este grup de la US Navy, canten peces a 4 veus, compostes per una llínea melòdica (normalment la segona veu més alta, cridada "lead") i 3 parts harmòniques.

En música, l'harmonia és l'us de pitches simultàneus (tons, notes), o concordes. L'estudi de l'harmonia comprén concordes i la seua construcció i progressions de concordes i els principis de conexió que els governen. A sovint es diu que l'harmonia es referix a l'aspecte "vertical" de la música, en contraposició a la llínea melòdica, o aspecte "horisontal". El contrapunt, que es referix al entrelazamiento de les llínees melòdiques, i la polifonia, que es referix a la relació de veus independents separades, es distinguix aixina a voltes de l'harmonia.

En les harmonia populars i de jazz, els concordes es nomenen per la seua raïl més varis térmens i caràcters que indiquen les seues qualitats. Per eixemple, en un full d'instruccions es poden indicar concordes com a Do major, Re menor i Sol de sèptima dominant. En molts tipos de música, sobretot en la barroca, la romàntica, la moderna i el jazz, els concordes se solen aumentar en "tensions". Una tensió és un membre adicional del concorde que crea un interval relativament dissonant en relació en el baix. Forma part d'un concorde, pero no és un dels tons del mateix (1 3 5 7). Normalment, en el periodo de pràctica comuna clàssic un concorde dissonant (d'acort en tensió) "resol" a un concorde consonante. L'harmonisació sol sonar agradable a l'oït quan hi ha un equilibri entre els sons consonants i dissonants. En paraules senzilles, això ocorre quan hi ha un equilibri entre moments "tensos" i "relaixats".

Timbre

Artícul principal → Timbre (acústica).

Archiu:9577 Guitarz1970 Clean caps block 17 Guitar Chord (Mike Tribulas).jpg

Espectrograma del primer segon d'un concorde E9 tocat en una guitarra Fender Stratocaster en pastilles sense soroll. Avall està l'àudio del concorde E9: Archiu:9577 Guitarz1970 Clean caps block 20 Guitar Chord (Mike Tribulas).ogg

El timbre, a voltes cridat "color", o "color del to", és el fenomen principal que nos permet distinguir un instrument d'un atre quan abdós toquen al mateix to i volum, una qualitat d'una veu o instrument que a sovint es descriu en térmens com a lluent, apagat, estrident, etc. Té un gran interés en la teoria musical, sobretot perque és un component de la música que encara no té una nomenclatura estandardisada. Se li ha cridat"... la categoria multidimensional de la paperera dels psicoacústicos per a tot lo que no pot ser etiquetat com a to o sonoritat", pero pot ser descrit i analisat en precisió pel anàlisis de Fourier i atres métodos perque és el resultat de la combinació de totes les freqüències, envolventes d'atac i lliberació, i atres qualitats que comprén un to.

El timbre està determinat principalment per dos coses: (1) l'equilibri relatiu dels sobretonos produïts per un instrument donat per la seua construcció (per eixemple, forma, material), i (2) l'envoltura del sò (incloent els canvis en l'estructura dels sobretonos en el temps). El timbre varia molt entre distints instruments i veus i, en menor mida, entre instruments del mateix tipo per les variacions en la seua construcció i, sobretot, a la tècnica de l'intérpret. El timbre de la majoria dels instruments pot modificar-se amprant diferents tècniques en tocar. Per eixemple, el timbre d'una trompeta canvia quan s'inserta una sordina en la campana, l'intérpret canvia el seu embocadura o el volum.

Una veu pot canviar el seu timbre per la forma en que l'intérpret manipula el seu aparat vocal, (per eixemple, la forma de la cavitat vocal o la boca). La notació musical especifica en freqüència l'alteració del timbre per mig de canvis en la tècnica de sò, el volum, l'accent i atres mijos. Estos s'indiquen de diverses maneres per mig d'instruccions simbòliques i verbals. Per eixemple, la paraula dolce (dolçament) indica un timbre no específic, pero comunament entés com a suau i "dolç". Sul tasto indica a un músic de corda que s'incline prop o per damunt del diapasón per a produir un sò menys lluent. Cuivre indica a un músic de metal que produïxca un sò forçat i estrident. Els símbols d'accent com el marcato (^) i les indicacions dinàmiques (pp) també poden indicar canvis en el timbre.

Dinàmica

Artícul principal → Dinàmica (música).

Archiu:Music hairpins.svg

Ilustració de forquetes en notació musical.

En música, "dinàmica" es referix normalment a les variacions d'intensitat o volum, tal i com poden medir els físics i els ingeniers d'àudio en decibelis o fons. No obstant, en la notació musical, les dinàmiques no es tracten com a valors absoluts, sino com a valors relatius. Ya que solen medir-se de forma subjectiva, hi ha factors, ademés de l'amplitut, que afecten a l'interpretació o a la percepció de l'intensitat, com el timbre, el vibrato i l'articulació.

Les indicacions convencionals de dinàmica són abreviatures de paraules italianes com forte (f) para forta i piano (p) para suau. Estes dos anotacions bàsiques es modifiquen en indicacions com mezzo piano (mp) per a un atac moderadament suau (lliteralment "mig suau") i mezzo forte (mf) per a un atac moderadament fort, sforzando o sforzato (sfz) per a un atac sobrecogedor o "espentat", o fortepiano (fp) per a un atac fort en una disminució repentina fins a un nivell suau. El ranc complet d'estes marques sol oscilar entre un pianississimo casi inaudible (pppp) i un fortississimo molt fort (ffff).

A voltes es troben extrems majors com pppppp i fffff i matisos com a p+ o più piano. També s'utilisen atres sistemes per a indicar el volum, tant en la notació com en l'anàlisis: dB (decibelis), escales numèriques, notes coloreadas o de distint tamany, paraules en idiomes distints de l'italià i símbols com els que indiquen l'aument progressiu del volum (crescendo) o la disminució del volum (diminuendo o decrescendo), a sovint denominats "púas" quan s'indiquen en llínees divergents o convergents, com es mostra en el gràfic anterior.

Articulació

Artícul principal → Articulació (música).

Archiu:Notation accents1.png

Eixemples de marques d'articulació. D'esquerra a dreta: staccato, staccatissimo, martellato, accent i tenuto.

L'articulació és la forma en que l'intérpret fa sonar les notes. Per eixemple, el staccato és l'acurtada de la duració en comparació al valor de la nota escrita, el legato realisa les notes en una seqüència suaument unida i sense separació. L'articulació sol descriure's en lloc de quantificar-se, per lo que hi ha marge per a interpretar cóm eixecutar en precisió cada articulació.

Per eixemple, el staccato sol denominar-se separat o separat en lloc de tindre una cantitat definida o numerada en la que reduir la duració anotada. Els violinistes utilisen una varietat de tècniques per a realisar diferents calitats de staccato. La forma en que un intérpret decidix eixecutar una determinada articulació sol basar-se en el context de la peça o frase, pero molts símbols d'articulació i instruccions verbals depenen de l'instrument i del periodo musical (per eixemple, viola, vent; clàssic, barroc; etc.).

Hi ha un conjunt d'articulacions que la majoria dels instruments i veus realisen en comuna. Són, de llarc a curt: legato (suau, conectat); tenuto (pressionat o tocat fins a la duració completa anotada); marcato (accentuat i separat); staccato ("separat", "separat"); martelé (molt accentuat o "martillado"). Moltes d'elles poden combinar-se per a crear certes articulacions "intermiges". Per eixemple, portato és la combinació de tenuto i staccato. Alguns instruments tenen métodos únics per a produir sons, com el spicatto per a les cordes en arc, a on l'arc rebota en la corda.

Textura

Artícul principal → Textura musical.

Archiu:Sousa - "Washington Post March," m. 1-7.png

Introducció a l'obra de Sousa "Washington Post March," mm. 1-7 presenta duplicació d'octaves i una textura homorrítmica.Archiu:Sousa - "Washington Post March," m. 1-7.mid

En música, la textura és la forma en que es combinen els materials melòdica, ritme i harmònica en una composició, determinant aixina la calitat general del sò d'una peça. La textura es descriu a sovint en relació en la densitat, o la gruixa, i la gama, o l'esgambi, entre els tons més baixos i els més alts, en térmens relatius, aixina com es distinguix més específicament segons el número de veus, o parts, i la relació entre estes veus. Per eixemple, una textura grossa conté moltes "capes" d'instruments. Una d'estes capes pot ser una secció de cordes, o una atra de metals.

La gruixa també es veu afectat pel número i la riquea dels instruments que toquen la peça. La gruixa varia de llauger a gros. Una peça llaugerament texturizada tindrà una puntuació llaugera i escassa. Una peça de textura grossa o pesada tindrà partitures per a molts instruments. La textura d'una peça pot vore's afectada pel número i el caràcter de les parts que es toquen al mateix temps, el timbre dels instruments o veus que toquen estes parts i l'harmonia, el tempo i els ritmes utilisats. Els tipos categorizados per número i relació de parts s'analisen i determinen a través de l'etiquetage dels elements texturales primaris: melodia primària, melodia secundària, melodia de respal paralela, respal estàtic, respal harmònic, respal rítmic, i respal harmònic i rítmic.

Entre els tipos més comuns es troben la textura monofònica (una sola veu melòdica, com una peça per a soprano solista o flauta solista), la textura bifónica (dos veus melòdiques, com un duo per a fagot i flauta en el que el fagot toca una nota zumbona i la flauta la melodia), la textura polifònica i la textura homofónica (concordes que acompanyen a una melodia).

Forma o estructura

Archiu:Canon example.png

Un cànon musical. La Enciclopèdia Britànica denomina "cànon" tant a una tècnica compositiva com a una forma musical.

El terme forma musical (o arquitectura musical) es referix a l'estructura o pla general d'una peça musical, i descriu la disposició d'una composició dividida en seccions. En la dècima edició de The Oxford Companion to Music, Percy Scholes definix la forma musical com "una série d'estratègies dissenyades per a trobar un mig exitós entre els extrems oposts de la repetició sense consol i l'alteració sense consol". Segons Richard Middleton, la forma musical és "la forma o estructura de l'obra". La descriu a través de la diferència: la distància recorreguda des d'una repetició; sent esta última la diferència més menuda. La diferència és quantitativa i qualitativa: a quina distància, i de quin tipo, diferent. En molts casos, la forma depén de l'afirmació i la restatement, l'unitat i la varietat, i el contrast i la conexió.

Expressió

Archiu:1Francisco20violinista.jpg

Un violiniste interpretant.

L'expressió musical és l'art de tocar o cantar música en comunicació emocional. Els elements de la música que comprenen l'expressió inclouen indicacions dinàmiques, com l'forte o el piano, el fraseo, diferents calitats de timbre i articulació, color, intensitat, energia i emoció. L'intérpret pot incorporar tots estos recursos. L'objectiu de l'intérpret és provocar respostes de simpatia en el públic i excitar, calmar o influir d'alguna manera en les respostes físiques i emocionals del públic. A voltes es pensa que l'expressió musical es produïx per una combinació d'atres paràmetros, i a voltes es descriu com una qualitat transcendent que és més que la suma de cantitats mesurables com el to o la duració.

L'expressió en els instruments pot estar estretament relacionada en el paper de la respiració en la vora, i la capacitat natural de la veu per a expressar sentiments, sensacions i emocions profundes. Si estos poden ser categorizados d'alguna manera és potser l'àmbit dels acadèmics, que veuen l'expressió com un element de l'interpretació musical que encarna una emoció consistentemente reconeixible, causant idealment un resposta emocional simpàtica en els seus oyents. El contingut emocional de l'expressió musical és distint del contingut emocional dels sons específics (per eixemple, un "bang" asombrosamente fort) i de les associacions depreses (per eixemple, un himne nacional), pero rara volta pot separar-se completament del seu context.

Els components de l'expressió musical seguixen sent objecte d'una àmplia i no resolta disputa.

Notació musical

Archiu:Tibetanmusicalscore.jpg

Notació musical tibetano de el XIX.

La notació musical és la representació escrita o simbolisada de la música. La majoria de les voltes es realisa per mig de l'us de símbols gràfics comunament entesos i instruccions verbals escrites i les seues abreviatures. Existixen molts sistemes de notació musical de diferents cultures i époques. La notació tradicional occidental va evolucionar durant l'Edat Mija i seguix sent un àrea d'experimentació i innovació.En la década de 2000, els formats d'archiu informàtics també han cobrat importància. El llenguage parlat i signes de mà també s'utilisen per a representar simbòlicament la música, principalment en l'ensenyança.

En la notació musical occidental estàndart, els tons es representen gràficament per mig de símbols (notes) colocats en un pentagrama o pentagrames, l'eix vertical dels quals correspon al to i l'horisontal al temps. Les formes dels caps de les notes, les pliques, les banderes, les lligam i els punts s'utilisen per a indicar la duració. Atres símbols indiquen les tonalitats, les dinàmiques, els accents, els silencis, etc. Les instruccions verbals del director solen utilisar-se per a indicar el tempo, la tècnica i atres aspectes.

En la música occidental s'utilisen distints sistemes de notació musical. En la música clàssica occidental, els directors utilisen partitures impreses que mostren totes les parts dels instruments i els membres de l'orquesta lligen les parts en les seues llínees musicals escrites. En els estils musicals populars, la notació de la música és molt menor. Un grup de roc pot entrar en una sessió de gravació en una simple taula de concordes escrita a mà que indique la progressió de concordes de la cançó utilisant noms de concordes (per eixemple, Do major, Re menor, Sol7, etc.). Tots els concordes, ritmes i figures d'acompanyament són improvisats pels membres de la banda.

Vore també

• Acústica musical
• Harmonia
• Funcions tonals
• Música i matemàtiques
• Musicologia

Bibliografia

• Avison, Charles (1752). An Essay on Musical Expression. London: C. Davis.
• Bandur, Markus. 2001. Aesthetics of Total Serialism: Contemporary Research from Music to Architecture. Basel, Boston and Berlin: Birkhäuser.
• Baroni, Mario (1983). The Concept of Musical Grammar, translated by Simon Maguire and William Drabkin. Music Analysis 2, no. 2:175–208.
• Bartlette, Christopher, and Steven G. Laitz (2010). Graduate Review of Tonal Theory. New York: Oxford University Press. ISBN 978-0-19-537698-2.
• Benward, Bruce, and Marilyn Nadine Saker (2003). Music: In Theory and Practice, seventh edition, 2 volumes. Boston: McGraw-Hill ISBN 978-0-07-294262-0.
• Bernard, Jonathan (1981). Pitch/Register in the Music of Edgar Varèse. Music Theory Spectrum 3: 1–25.
• Boethius, Anicius Manlius Severinus (1989). Claude V. Palisca (ed.). Fundamentals of Music (PDF) (Translation of De institutione musica). Translated by Calvin M. Bower. New Haven and London: Yale University Press. ISBN 978-0-300-03943-6 – via classicalliberalarts.com.
• Brandt, Anthony (2007). Musical Form. Connexions (11 January; accessed 11 September 2011).
• Castan, Gerd (2009). Musical Notation Codes. Music-Notation.info (Accessed 1 May 2010).
• Christiani, Adolph Friedrich (1885). The Principles of Expression in Pianoforte Playing. New York: Harper & Brothers.
• Dahlhaus, Carl (2009). Harmony. Grove Music Online, edited by Deane Root (reviewed 11 December; accessed 30 July 2015).
• Darwin, Charles (1913). The Expression of the Emotions in Man and Animals. New York: D. Appleton and Company.
• Davies, Stephen (1994). Musical Meaning and Expression. Ithaca: Cornell University Press. ISBN 978-0-8014-8151-2.
• d'Erlanger, Rodolphe (ed. and trans.) (1930–56). La musique arabe, six volumes. Paris: P. Geuthner.
• Dunsby, Jonathan; Stopford, John (1981). The Case for a Schenkerian Semiotic. Music Theory Spectrum. 3: 49–53. doi:10.2307/746133. JSTOR 746133.
• Ekwueme, Laz E. N. (1974). Concepts of African Musical Theory. Journal of Black Studies 5, no. 1 (September): 35–64
• Forsyth, Cecil (1935). Orchestration, second edition. New York: Dover Publications. ISBN 0-486-24383-4.
• Garland, Trudi Hammel, and Charity Vaughan Kahn (1995). Math and Music: Harmonious Connections. Pal Alt: Dona-li Seymour Publications. ISBN 978-0-86651-829-1.
• Gerstner, Karl. 1964. Designing Programmes: Four Essays and an Introduction, with an introduction to the introduction by Paul Gredinger. English version by D. Q. Stephenson. Teufen, Switzerland: Arthur Niggli. Enlarged, new edition 1968.
• Ghrab, Anas (2009). Commentaire anonyme du Kitāb al-Adwār. Édition critique, traduction et présentation dones lectures arabes de l'œuvre de Ṣafī al-Dīn al-Urmawī". PhD thesis. Paris: University Paris-Sorbonne.
• Grant, M[orag] J[osephine] (2001). Serial Music, Serial Aesthetics: Compositional Theory in Post-War Europe. Music in the Twentieth Century, Arnold Whittall, general editor. Cambridge and New York: Cambridge University Press. ISBN 0-521-80458-2.

• Green, Douglass M. (1979). Form in Tonal Music. Fort Worth: Harcourt Brace Jovanovich College Publishers; New York and London: Holt, Rinehart and Winston. ISBN 0-03-020286-8.
• Hartmann, William M. (2005). Signals, Sound, and Sensation, corrected, fifth printing. Modern Acoustics and Signal Processing. Woodbury, New York: American Institute of Physics; New York: Springer. ISBN 1563962837.
• Jamini, Deborah (2005). Harmony and Composition: Basics to Intermediate, with DVD video. Victoria, BC: Trafford. 978-1-4120-3333-6.
• Károlyi, Otto (1965). Introducing Music: Penguin Books.
• Kilmer, Anne D. (1971). The Discovery of an Ancient Mesopotamian Theory of Music. Proceedings of the American Philosophical Society 115, no. 2:131–149.
• Kilmer, Anne, and Sam Mirelman. n.d. Mesopotamia. 8. Theory and Practice. Grove Music Online. Oxford Music Online. Accessed 13 November 2015. (subscription required)
• Kivy, Peter (1993). The Fine Art of Repetition: Essays in the Philosophy of Music. Cambridge and New York: Cambridge University Press.ISBN 978-0-521-43462-1, 978-0-521-43598-7 (cloth & pbk).
• Kliewer, Vernon (1975). Melody: Linear Aspects of Twentieth-Century Music. In Aspects of Twentieth-Century Music, edited by Gary Wittlich, 270–321. Englewood Cliffs, New Jersey: Prentice-Hall. ISBN 0-13-049346-5.
• Kramer, Jonathan D. (1988). The Clave of Music: New Meanings, New Temporalities, New Listening Strategies. New York: Schirmer Books.
• Kubik, Gerhard (2010). Theory of African Music, 2 vols. Chicago: University of Chicago Press. ISBN 0-226-45691-9.
• Kümmel, H. M. [de] (1970). "Zur Stimmung der babylonischen Harfe". Orientalia 39:252–263.
• Lam, Joseph S. C. China, §II, History and Theory. Grove Music Online. Oxford University Press.
• Latham, Alison (ed.) (2002). The Oxford Companion to Music. Oxford and New York: Oxford University Press. ISBN 0-19-866212-2.
• Laurie, Timothy (2014). "Music Genre as Method". Cultural Studies Review 20, no. 2:283–292.
• Lerdahl, Fred, and Ray Jackendoff (1985). A Generative Theory of Tonal Music. Cambridge, Massachusetts: MIT Press.ISBN 0262260913
• Lewin, David (1987). Generalized Musical Intervals and Transformations. New Haven: Yale University Press.
• Linkels, Ad. n.d. "The Real Music of Paradise". In World Music, Vol. 2: Latin & North America, Caribbean, Índia, Àsia and Pacific, edited by Simon Broughton and Mark Ellingham, with James McConnachie and Orla Duane, 218–229.[full citation needed]: Rough Guides, Penguin Books. ISBN 1-85828-636-0.
• London, Justin (2004). Hearing in Clave: Psychological Aspects of Musical Ficar. Oxford and New York: Oxford University Press.[ISBN missing]
• London, Justin (n.d.), "Musical Expression and Musical Meaning in Context. ICMPC2000 Proceedings Papers.
• Lussy, Mathis (1892). Musical Expression: Accents, Nuances, and Tempo, in Vocal and Instrumental Music, translated by Miss M. E. von Glehn. Novello, Ewer, and Co.'s Music Primers 25. London: Novello, Ewer and Co.; New York: H. W. Gray
• McAdams, Stephen, and Albert Bregman (1979). "Hearing Musical Streams". Computer Music Journal 3, no. 4 (December): 26–43, 60. JSTOR 4617866
• McCreless, Patrick. n.d. "Society for Music Theory", Grove Music Online. Oxford University Press.
• Malm, William P. (1996). Music Cultures of the Pacific, the Near East, and Àsia, third edition. ISBN 0-13-182387-6.
• Manik, Liberty (1969). Dones Arabische Tonsystem im Mittelalter. Leiden: E. J. Brill.
• Mannell, Robert (n.d.). "Spectral Analysis of Sounds". Macquarie University.
• Meeùs, Nicolas (2015). "Épistémologie d’unix musicologie analytique". Musurgia 22, nos. 3–4:97–114.
• Meeùs, Nicolas (2017). "Schenker's Inhalt, Schenkerian Semiotics. A Preliminary Study". The Dawn of Music Semiology. Essays in Honor of Jean-Jacques Nattiez, J. Dunsby and J. Goldman ed. Rochester: Rochester University Press:81–96.

• Middleton, Richard (1990). Studying Popular Music. Milton Keynes and Philadelphia: Open University Press. ISBN 978-0335152766, 978-0335152759 (cloth & pbk).
• Middleton, Richard (1999). "Form". In Key Terms in Popular Music and Culture, edited by Bruce Horner and Thomas Swiss.[page needed] Malden, Massachusetts: Blackwell Publishing. ISBN 0-631-21263-9.
• Mirelman, Sam (2010). "A New Fragment of Music Theory from Ancient Iraq". Archiv für Musikwissenschaft 67, no. 1:45–51.
• Mirelman, Sam (2013). "Tuning Procedures in Ancient Iraq". Analytical Approaches to World Music 2, no. 2:43–56.
• Mitchell, Barry (2008). "An Explanation for the Emergence of Jazz (1956)", Theory of Music (16 January):[page needed].[unreliable source?]
• Moore, Allan F. (2001). "Categorical Conventions in Music Discourse: Style and Genre". Music & Letters 82, no. 3 (August): 432–442.
• Nattiez, Jean-Jacques (1976). Fondements d'unix sémiologie de la musique. Collection Esthétique. Paris: Union générale d'éditions. ISBN 978-2264000033.
• Nattiez, Jean-Jacques(1989). Proust as Musician, translated by Derrick Puffett. Cambridge and New York: Cambridge University Press. ISBN 978-0-521-36349-5, 978-0-521-02802-8.
• Nattiez, Jean-Jacques (1990). Music and Discourse: Toward a Semiology of Music, translated by Carolyn Abbate of Musicologie generale et semiologie. Princeton: Princeton University Press. ISBN 978-0-691-09136-5 (cloth); ISBN 978-0-691-02714-2 (pbk).
• "theory, n.1". Oxford English Dictionary (Online ed.). Oxford University Press. (Subscription or participating institution membership required.)
• Palisca, Claude V., and Ian D. Bent. n.d. "Theory, Theorists". Grove Music Online, edited by Deane Root. Oxford University Press (accessed 17 December 2014).
• Purwins, Hendrik (2005). "Profiles of Pitch Classes Circularity of Relative Pitch and Key: Experiments, Models, Computational Music Analysis, and Perspectives". Doktor der Naturwissenschaften diss. Berlin: Technischen Universität Berlin.
• Read, Gardner (1969). Music Notation: A Manual of Modern Practice, second edition. Boston, Allyn and Bacon. Reprinted, London: Gollancz, 1974. ISBN 9780575017580. Reprinted, London: Gollancz, 1978. ISBN 978-0575025547. Reprinted, New York: Taplinger Publishing, 1979. ISBN 978-0800854591, 978-0800854539.
• Samson, Jim. "Genre". In Grove Music Online, edited by Deane Root. Oxford Music Online. Accessed 4 March 2012
• Schenker, Heinrich (n.d.). Free Composition. Translated and edited by Ernst Oster. New York and London, Longman.
• Schoenberg, Arnold (1983). Structural Functions of Harmony, revised edition with corrections, edited by Leonard Stein. London and Boston: Faber and Faber. ISBN 978-0-571-13000-9.
• Scholes, Percy A. (1977). "Form". The Oxford Companion to Music, tenth edition. Oxford and New York: Oxford University Press.
• Service, Jonathan (2013). "Chinese Music Theory". Transmission/Transformation: Sounding China in Enlightenment Europe. Cambridge: Harvard University Department of Music (web, accessed 17 December 2015).
• Shiloah, Amnon (1964). La perfection dones connaissances musicals: Traduction annotée du traité de musique arabe d'al-Ḥtorren ibn Aḥmad ibn 'Ali al-Kātib École pratique dones hautes études. 4i section, Sciences historiques et philologiques, Annuaire 1964–1965 97, no. 1: 451–456.
• Smith Brindle, Reginald (1987). The New Music: The Avant-Garde Since 1945, second edition. Oxford and New York: Oxford University Press. ISBN 978-0-19-315471-1, 978-0-19-315468-1 (cloth & pbk).
• Snarrenberg, Robert (1997). Schenker's Interpretive Practice. Cambridge Studies in Music Theory and Analysis 11. Cambridge University Press. ISBN 0521497264.
• Sorantin, Erich (1932). The Problem of Musical Expression: A Philosophical and Psychological Study. Nashville: Marshall and Bruce
• Stefani, Gino (1973). "Sémiotique en musicologie". Versus 5:20–42.
• Stefani, Gino (1976). Introduzione alla semiotica della musica. Palermo: Sellerio editore.
• Stein, Leon (1979). Structure and Style: The Study and Analysis of Musical Forms. Princeton, New Jersey: Summy-Birchard Music. ISBN 978-0-87487-164-7.

• Stone, Kurt (1980). Music Notation in the Twentieth Century. New York: W. W. Norton. ISBN 978-0-393-95053-3.
• Tan, Siu-Lan, Pfordresher Peter, and Harré Rom (2010). Psychology of Music: From Sound to Significance. New York: Psychology Press. ISBN 978-1-84169-868-7.
• Thompson, William Forde (n.d.). Music, Thought, and Feeling: Understanding the Psychology of Music, second edition. New York: Oxford University Press. ISBN 0-19-537707-9.
• Touma, Habib Hassan (1996). The Music of the Arabs, new expanded edition, translated by Laurie Schwartz. Portland, Oregon: Amadeus Press. ISBN 0-931340-88-8.
• van der Merwe, Peter (1989). Origins of the Popular Style: The Antecedents of Twentieth-Century Popular Music. Oxford: Clarendon Press. ISBN 978-0-19-316121-4.
• Whittall, Arnold (2008). The Cambridge Introduction to Serialism. Cambridge Introductions to Music. New York: Cambridge University Press. ISBN 978-0-521-86341-4, 978-0-521-68200-8 (cloth & pbk).
• Wohl, Gennady. (2005). "Algebra of Tonal Functions", translated by Mykhaylo Khramov. Sonantometry Blogspot (16 June; accessed 31 July 2015).[unreliable source?]
• Wong, Janice (2011). "Visualising Music: The Problems with Genre Classification". Masters of Media blog site (accessed 11 August 2015).[unreliable source?]
• Wright, Owen (2001a). "Munajjim, al- [Yaḥiā ibn]". The New Grove Dictionary of Music and Musicians, second edition, edited by Stanley Sadie and John Tyrrell. London: Macmillan. Reprinted in Grove Music Online, Oxford Music Online. (subscription required).
• Wright, Owen (2001b). "Arab Music, §1: Art Music, 2. The Early Period (to 900 CE), (iv) Early Theory". The New Grove Dictionary of Music and Musicians, second edition, edited by Stanley Sadie and John Tyrrell. London: Macmillan. Reprinted in Grove Music Online, Oxford Music Online. (subscription required).
• Wulstan, David (1968). "The Tuning of the Babylonian Harp". Iraq 30: 215–28.
• Yeston, Maury (1976). The Stratification of Musical Rhythm. New Haven: Yale University Press.

Enllaços externs

Commons

• Wikimedia Commons alberga contingut multimèdia sobre Teoria musical.
• TEORÍA MUSICAL
• Teoria.com Sitie web sobre teoria musical
• Teoria i història de la música (en anglés)
• Lliçons de teoria musical
• Blog de teoria musical [1] archivat en Wayback Machine.
• Music Theory
• Teoria musical
• Ricci Adams' Lliçons de Teoria Musical Lliures
• Periòdic de l'associació musical real
• Tonalsoft: Enciclopèdia de la teoria musical microtonal
• Bases naturals de les escales i La solució de 7 notes
• Glossari [2] archivat en Wayback Machine. de térmens musicals de l'anglés de EE. UU. i del Regne Unit
• Grup de notícies de teoria musical - rec.music.theory Usenet Newsgroup
• Teoria i entrenament musical Tractat didàctic a on els temes teòrics s'ilustren en partitures d'obres fonamentals europees i llatinoamericanes
• El racó de la teoria, programa de Ràdio Clàssica.